The Alchemist

Last Day Dream [HD] from Chris Milk on Vimeo.

Visto a través del ventanuco

El cine español necesita valientes, no gente con talento, esto no es tan difícil encontrarlo. Por lo pronto la ministra del lobby de la ceja ha encontrado una fuerte contestación en la red.

El año pasado, y ya van varios, el producto audiovisual español con mayor recaudación fue Pocoyó. La serie de dibujos animados, creada sin ninguna ayuda institucional, percibe sólo en concepto de derechos de venta de sus juguetes a Namco Bandai 33 millones de euros anuales, equivalente a la mitad de la recaudación total del cine español. Si se suma la venta de dvds, a las televisiones y demás, el muñecajo del gorro azul ha generado el pasado año un 50% más (en torno a 100 millones) que todos los subvencionados juntos.

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La industria del cine español, por evolución natural, tendría que sufrir un proceso similar al de la música: adelgazamiento de sus estructuras superfluas y búsqueda de nuevos medios de cobrar a los consumidores. Doloroso –supondrá puestos de trabajo, obviamente-, pero realista, necesario a ojos de casi cualquiera que no esté acomodado en una posición de privilegio, al margen de lo que pasa en la calle. Y cine español, por cierto, seguirá existiendo: recordemos que gente como Pedro Almodóvar, en un extremo del éxito, o los cineastas experimentales de la escuela catalana, en el otro, ruedan sin subvenciones.

Con la creación de las webs que suministran música gratis por una pequeña cuota mensual –yes.fm, last.fm, spotify.com-, la llamada “piratería” de música se está convirtiendo en algo obsoleto: no sólo se paga a los músicos sin casi intermediarios, sino que es incluso más económico abonar cuatro euros al mes que andar grabando cds para guardar los contenidos descargados. Eso es una auténtica respuesta a la altura de las circunstancias: no persigue un avance tecnológico, sino que se emplea en beneficio de la industria existente. A la música le ha costado encontrar una solución un lustro de mamarrachadas y espantajerías –John Galliano dixit-, pero al final ha dado con ella.

Otra cosa es que la red tenga en España la capacidad de influencia que ella misma cree.

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¿No tiene la más mínima curiosidad por ver la película de Watchmen?

Todo el asunto está totalmente mal pensado. La única razón por la que hicimos Watchmen fue para probar nuevas formas de usar el cómic como medio. Estábamos inventando técnicas narrativas en el género, cosas que sirvieran para expandir lo que los cómics pudieran hacer. Queríamos buscar otras maneras de contar.

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Cuando me encontré con Terry (Gilliam) en los ochenta me preguntó cómo veía yo transformar Watchmen en película. Le dije que no lo veía, que nunca estuvo pensado para ser un filme. Y creo que Terry, un hombre sabio, lo vio también así. Un defecto de nuestra cultura es transformar cosas que funcionan perfectamente en un medio a otro donde no funcionan tan bien.

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Qué cine le gusta?

Mankiewicz es uno de mis guionistas favoritos. Escribió Eva al desnudo, que adoro. Otro es Nicholas Roeg. Sus filmes han tratando de ensanchar los márgenes del lenguaje cinematográfico. Me acuerdo de Insignificance, de Performance. Eso es lo que quiero: gente que esté tratando de expandir el medio en el que trabajan.

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La magia es inclusiva. Originalmente fue una ciencia del todo. Creo que el nacimiento de la conciencia, del arte, del lenguaje fueron simultáneas al de la magia. Necesitamos tratar de entender el mundo con todas sus mitologías, su arte, sus economías, sus políticas. Y, más importante, debemos entender dónde estamos. Al entender Northampton, entiendo el resto del mundo. Para entender el universo, intenta entender la calle dónde vives.

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¿Es ficción y realidad la misma cosa?

Creo que nunca vemos directamente la realidad. Lo que hacemos es escribir nuestras vidas. Estamos componiendo las percepciones que recibimos, estamos tomándolas e hilándolas en una historia. Así que editamos esa historia (la nuestra) todo el tiempo. La realidad es una experiencia tremendamente ficcional. No creo que tengamos opción de elegir si vivimos o no en una ficción, la opción es en la ficción de quién queremos vivir.

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Y ¿usted tiene miedo a algo?

Cuando mi madre murió de cáncer, me impresionó su falta de alboroto. Me inspiró. El miedo y el terror te hacen menos capaz de hacer cualquier cosa. No puedo pensar en nada que me aterrorice, aunque el diseño de vestuario de la película de Watchmen esté bastante cerca.
Allan Moore en Público.

Ni qué decir tiene que, con mucha diferencia, estamos ante el mejor creador de cómics. Que cualquiera que hable de literatura contemporánea o nuevas expresiones artísticas sin haber leído Watchmen o From Hell no sabe de lo que está hablando. Que en verdad no sé si me apetece ver la película porque no hablamos de Batman.

Hablamos de Rorschach.

PS: La que sí hay que ver es El Luchador: Portentosa interpretación de Rourke. Seca como un gin tonic a media mañana.

Etiquetas: Watchmen, Alan, Moore

El mejor programa de la televisión española. Mal que les pese a ellos ;)

Etiquetas: apm, television

Batman no es para friquis, aunque esté hecha por friquis.
Una cosa es segura: enrollarse hablando de supuestas connotaciones fascistas y conspiraciones hollywoodienses (¡hollywoodienses!) para justificar un supuesto ataque a escala global a las libertades públicas -lo mismo es que todavía no saben que las libertades son individuales- a través de una película de super-héroes, debe estar diagnosticado como alguna clase de patología. Enfermedad que de extendida, pareciera contagiosa.
Pero lo que es de raros de cojones es ponerse a teorizar sobre las implicaciones filosófico-morales (ya saben, a veces para que la cosa funcione y unos se cuelguen medallas, otros tienen que remangarse en el fango) que encierra el narcisismo de Christopher Nolan.
Dejémonos de zarandajas: que si es más oscura (que lo es), que si es más realista (que también), que si es más agresiva... ¡vamos a ver el vuelo de el murciélago en los rascacielos de Hong-Kong!, ¡vamos a disfrutar de los aparatitos!, ¡de los coches y el dinero de Bruce Wayne! vamos a ahondar en la debilidad de the batman y... Let’s put a smile on that face!

El Joker es un Alex grasiento, a lo Johnny Rotten que sorbiera con delectación la salivilla de la destrucción caótica. Un personaje para la Historia, un mito en construcción:

PS: Y sí, lo suyo es que los barcos hubieran estallado a la vez.

Etiquetas: Batman, Wall-e

Lo intenté todo para convencer a alguien de que viniera a verla conmigo, hasta le guiñé un ojo a Esther -¡prefirió champán y ostras con un desconocido!-, así que no quedó otra salida que bajarla en un pésimo screener que se escucha aún peor -cualquier sacrificio es poco-.

John Rambo es un alegato en favor de la libertad de hacer cine, ese cine con el que tantos crecimos y que tan mala prensa tiene hoy, ese cine, en fin, que apelando a los clásicos del genero se construye para el espectador actual, hablando en su lenguaje, excitando sus pasiones -y en esta se excitan todas, también las 'altas'-.
El boina verde John Rambo es un Frankenstein de laboratorio militar, una máquina de matar que enviamos a hacernos el trabajo sucio: cargar con la culpa de nuestras hipocresías, de nuestra doble moral (recuérdenlo llorando al final de Acorralado: "Cuando regresé de Vietnam en el aeropuerto esos gusanos me gritaban ¡Asesino de niños! ¿quiénes son ellos? ¡No estuvieron allí, luchando como yo! tenía equipo que valía millones de dólaes y aquí ni siquiera me dan trabajo ni de lavacoches"), es parte de las cañerías. Unos dirán que el problema, otros que la solución pero él también tiene su corazoncito, atormentado por lo que le han hecho, o lo que es.

En esta ocasión se presenta retirado en Birmania o tal vez Tailandia. Cazando cobras para espectáculos turísticos hasta que unos misioneros cargados de medicinas y buenas intenciones le piden ayuda para llevarlos al corazón de las tinieblas; allí se encuentran con la brutalidad y la muerte de los señores de la guerra, con el sadismo y la sangre por toda respuesta.

El buenismo que asola el pensamiento occidental y sobre el que se apoyan tantos regímenes represores, encuentra en esta parodia justa respuesta en forma de miembros amputados, cuellos rebanados y orgía de sangre. Para entrar en la historia, para ser parte de ella, para ser humano hay que ensuciarse las manos .
Y eso es algo que a Sly, simplemente le encanta.

Etiquetas: Rambo

Etiquetas: Tomate, Telecinco

STALLONE: ROCKY Y RAMBO

Abordemos hoy un tema pueril, sin importancia, que precisamente por ello, al final puede que sí que la tenga. Rocky y Rambo dos mitos de nuestra infancia, dos anatemas para la intelectualidad. Ahí está el Sr. Stallone presentado en el Santiago Bernabeu la nueva entrega de Rambo, que se estrena el próximo día 1 de febrero en España. Que quieren que les diga yo he pasado grandes momentos con estos dos tipos, y algunas de sus enseñanzas (sí, enseñanzas) se han quedado grabadas a fuego en mi código genético. El optimismo, la capacidad de superación, creer en uno mismo, superar las adversidades, perseguir los sueños, luchar, caer y levantarse, me parecen valores muy reivindicables. Que sí, que ya lo se, que son violentos, pero es que en la vida, a veces, hay que pegar una buena ostia, aunque sea contra el viento y en sentido figurado.

Yo, en la última película de Rocky, la que estrenaron el año pasado, tuve que contener las lágrimas de emoción, pues se removió todo lo que de niño queda en mí. Recuerdo que al salir del cine, solo, me encontré con un gran profesor de derecho, de mis años universitarios, un hombre ya de edad venerable acompañado por su mujer. Se le veía feliz y pensé no debo de estar tan equivocado. Aunque eso si, siempre habrá quién preferirá dejarse manejar por los teólogos del izquierdismo bienpensante de turno, y tapados hasta las orejas de prejuicios, con una buena venda en los ojos, jamás se acercarán a comprender de qué va todo esto. Serán los mismos que luego se harán los modernillos y reivindicarán a Tarantino, por la destilación irónica de la violencia en sus películas.

Así que, amigos, nos vemos el mismo día del estreno, el día 1 de febrero, en cualquier cine, porque aunque la película sea mala, por un momento volveremos a ser niños, sonreír y cantar por las calles de Philadelphia.

Gerardo de Lucas Abril

Pues seguramente nada...

De sobra es conocido por las cuatro admiradoras que aún me soportan que en este rincón catódico profesamos especial devoción por el Western pero, sobre todo, por algunas de sus legendarias figuras y alguno de sus títulos más emblemáticos.
Género esencial en la consolidación del cine como fenómeno de masas así como en la creación de un imaginario colectivo fundamental para la afirmación de una nación aparentemente tan heterogénea como los Estados Unidos, lleva ya varias décadas en las que, al ser casi imposible añadir nada nuevo a lo ya dicho sólo los mejores, o los más osados se atrevían a asomarse.

Andrew Dominic -que con esta película ya está entre los mejores- toma el plano final de Centauros del Desierto para relatarnos sin prisa, con aparente calma la historia del más famoso forajido del Oeste, pero, más allá, la del mayor cobarde en la cultura popular americana.

Cuenta la progresiva desintegración de una leyenda en vida y el ascenso, deslumbrante y efímero, de un idólatra forzosamente mediocre; cuenta cómo la paranoia y la monomanía vencen a un hombre excepcional y lo hace contraponiendo la inevitable extinción de James a la creciente y humana mezcla de envidia y veneración de Robert Ford.

Los hermanos James alcanzaron tal nivel de notoriedad probablemente por ser los primeros ladrones de bancos a gran escala tras la guerra civil americana (1861-1865). Es por esto que la historia del asesinato de Jesse a manos de los hermanos Ford mientras aquel limpiaba -o cambiaba o miraba o ...- una fotografía en el salón de su casa es parte sobradamente conocida de los mitos del Far West, quizá por eso el título adelante deliberadamente no sólo la historia que vamos a presenciar sino también su moraleja: Assassination es poco menos que un magnicidio; y quien lo lleva a cabo no puede ser más que un cobarde que pagará por su infame acto.

Las más de dos horas y media de película en ningún momento se hacen pesadas porque la historia que relata; la fotografía y la música con la que se describe; la calma tensa que desprende cada secuencia; la belleza mínimalista de los paisajes y, por encima de todo, el trabajo de los actores -secundarios como Sam Sephard o Sam Rockwell, o los principales: Brad Pitt interpretando a ese tipo de personaje que le va perfecto y, por encima de todos, un Casey Affleck (tomen buena nota) sencillamente genial- hacen de esta película otra encarecida recomendación.

En el blog del Sr Smith, hay un comentarista habitual, Albert el Mapuche , que el otro día nos recordaba uno de los mejores discursos de Pacino.

Es 'Un Domingo Cualquiera' de Oliver Stone.

I don’t know what to say, really. Three minutes till the biggest battle of our professional lives all comes down to today. Now either we heal as a team or we’re gonna crumble, inch by inch, play by play, 'til we’re finished.

We’re in hell right now, gentlemen, believe me. And, we can stay here -- get the shit kicked out of us -- or we can fight our way back into the light. We can climb outta hell one inch at a time.

Now, I can’t do it for you. I’m too old. I look around. I see these young faces, and I think -- I mean -- I made every wrong choice a middle-aged man can make. I, uh, I pissed away all my money, believe it or not. I chased off anyone who’s ever loved me. And lately, I can’t even stand the face I see in the mirror.

You know, when you get old in life things get taken from you. I mean that's...part of life. But, you only learn that when you start losing stuff. You find out life’s this game of inches. So is football. Because in either game, life or football, the margin for error is so small -- I mean one-half a step too late, or too early, and you don’t quite make it. One-half second too slow, too fast, you don’t quite catch it.

The inches we need are everywhere around us.

They’re in every break of the game, every minute, every second.

On this team, we fight for that inch. On this team, we tear ourselves and everyone else around us to pieces for that inch. We claw with our fingernails for that inch, because we know when we add up all those inches that’s gonna make the fuckin' difference between winning and losing! Between livin' and dyin'!

I’ll tell you this: In any fight, it’s the guy who’s willing to die who’s gonna win that inch. And I know if I’m gonna have any life anymore, it’s because I’m still willin' to fight and die for that inch. Because that’s what livin' is! The six inches in front of your face!!

Now I can’t make you do it. You got to look at the guy next to you. Look into his eyes! Now I think you’re gonna see a guy who will go that inch with you. You're gonna see a guy who will sacrifice himself for this team because he knows, when it comes down to it, you’re gonna do the same for him!

That’s a team, gentleman!

And, either we heal, now, as a team, or we will die as individuals.

That’s football guys.

That's all it is.

Now, what are you gonna do?

Etiquetas: Pacino, Oliver, Stone, Any, Given, Sunday

Comentábamos con Mar a la salida del Icària que hay tres o cuatro directores que te garantizan la sensación de haber visto una buena película -si más no, sí que no has malgastado tu dinero-: yo, pontificaba citando a Eastwood -ya saben-, Scorsese -no se pierdan Bringin' Out the Dead- y Quentin Tarantino. Ella añadió a los Coen. Hay trato.
El navegante ocioso ya sabe que Death Proof es el homenaje de Tarantino a las películas de serie Z, películas que, según cuentan, devoraba -con gusto(!!)-  en uno de esos videoclubs en que se incubaba la generación que haría al Cine Independiente lo que Lucas y Spielberg a Hollywood.

Los 'Grindhouses' fueron muy populares en los '70. Eran cines, a menudo al aire libre, en los que pasaban películas de serie B de muy bajo presupuesto y altas dosis de tías macizas y sangre. Las películas que compraban salían tan baratas que eran proyectadas una y otra vez hasta el punto de rallarse o, incluso, quemarse por lo que podían llegar a perderse escenas completas -así que no se preocupen cuando vean que algo no les cuadra-. No importaba, nadie en su sano juicio buscaba un argumento que seguir o una historia coherente.

Aquí es donde Tarantino aparece. Combinando la estética visual de este tipo de películas, incluida la sensación de trasladar la acción a los años 70 tanto por las localizaciones -si hay un sitio donde no pase el tiempo debe ser Líbano, Tennessee- como por el vestuario o los decorados-, con la más absoluta ausencia de argumento  y un buen chorreón de sus sueños más húmedos.

Apuesto a que recuerdan los pies descalzos de Mia Wallace mientras bailaba con Vincent Vega ese 'Quién lo iba a suponer' de Chuck Berry; o qué me dicen de la pedicura de Briget Fonda en casa de ese negro 'muddafucker'; o cómo empezaban a moverse los dedos de los pies de 'La Novia' en Kill Bill. Pues todas estas escenas juntas son pocas en comparación con el onanismo podal de 'Death Proof'.
La película está divida en dos partes, que bien podrían ser tres porque los últimos 15 minutos son algo completamente diferente a todo lo anterior, y -pies aparte- contiene todos los elementos del particular universo del director:
 - Los diálogos ácidos, ágiles, aparentemente descarados aquí son entre chicas fatales, comehombres liberadas que imponen su ley. Cierto es que, a veces, pueden hacerse algo pesados
 - La ex-estrella desaparecida con alguna película de culto en vídeo. Aunque Kurt Russell no sea Pam Grier, ni siquiera Travolta, tiene un nombre perfecto: 'Stunt man' Mike, y tiene ese punto mórbido que tan bien hace a cualquier malo que se precie.
 - El vouyerismo en la muerte violenta...
 - Una Banda Sonora como sólo él es capaz de hacer. No se pierdan los créditos finales.

En definitiva Tarantino en estado puro: un niño mimado y genial que quiere divertirse y nos divierte colándonos infinidad de engaños 'piadosos' para hacernos creer que no estamos viendo lo que estamos viendo.

Esta escena se 'perdió' en la versión americana...

Etiquetas: Tarantino, Dath, Proof

A las habituales de este foro no se les escapa que las musas deben estar por fin haciendo algo útil y finalmente han cambiado mi geranio por alguna otra pluma más rentable y provechosa. En su lugar, un coro de bacantes canta al hedonismo y la holganza y a dejar de preocuparse por el mundo y sus monarquías - todo sigue dando más asco que ayer pero menos que mañana-; además Toni Soprano ha vuelto a nuestras vidas y lo ha hecho más maduro, algo más reflexivo, dispuesto a seguir los consejos de Epicuro, sin olvidar a Sun Tzu, claro, y como votante reconocido de la administración Bush -aunque he de admitir que no es más que una ironía de los titiriteros yanquis ya que nunca en las 5 temporadas anteriores la política había impregnado tanto las tramas-, es decir, sigue siendo tan jodidamente envidiable como el primer día.

Salgo del letargo -ya ven, se pierden hasta las buenas costumbres dominicales, prometo resarcimiento-, no sólo para prevenirles, estimadas admiradoras, de la simpar política de intoxicación que lidera Rodríguez; ni para advertirles de que no permitan que la esquizofrenia se convierta en una opción vital: ya son muchos –este “los y las maestros” me ha llegado al alma-, demasiados; si no para recomendarles un paseo reflexivo por los 92 minutos de Last Days: la excusa son los últimos días de Kurt Kobain, el argumento es la introspección de un ser humano mirando los abismos de su alma, la firma es de Van Sant.
La primera canción, a los 45 minutos: una guitarra desgarrada en un interminable lamento romántico y una percusión aparentemente caótica filmadas en un primer plano… del exterior de la casa donde se suicidó.
Van Sant, afortunadamente no es Moore, por eso a la hora de decidir si el dinero es para el inmenso megalómano que ha conseguido meter Bowling for Columbine en el libro de texto de EdC o para la mirada serena y reflexiva del responsable de Elephant, piensen en su salud mental y en la de sus hijos.

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Alentado por la alquimia natural del insigne propietario de este espacio, me dispongo a escurrir unas letras por el alambique con la última experiencia laboral que me ha tocado desarrollar.

Hace casi dos meses comencé a trabajar en la organización de un festival de cine, denominado Cines del Sur, que se ha celebrado en Granada desde el 9 al 17 de junio. Las labores del staff organizativo comenzaron varios meses atrás, pero ha sido en estos dos últimos meses cuando se ha puesto toda la carne en el asador y cuando, por suerte, me ha tocado a mí entrar a currar. Mis labores dentro del festival se centraban en la búsqueda de patrocinadores, la logística de vehículos y la captación y coordinación de un grupo de voluntarios, pero como de natural no puedo decir “no” a nadie, me he visto involucrado en mil y un fregaos, muchos de los cuales ni me iban ni me venían, pero que me han servido para crecer profesional y personalmente.

El evento nació apoyado y subvencionado en su casi totalidad por la Junta de Andalucía, y sin duda me he puesto al día en el funcionamiento del gobierno andaluz en lo tocante a eventos culturales, supongo que extensible a otros ámbitos.

El caso es que este festival nació con la idea de erigirse en el estandarte-altavoz de aquellos cines del sur geopolítico olvidados por las grandes distribuidoras e industrias cinematográficas (centradas en el rodillo del dólar), a la vez que relanzar a Granada como un lugar de encuentro, convivencia y diálogo de culturas. El concepto de festival, asociado a nuestra pequeña y encantadora ciudad, me parece magnífico, sólo que una vez dentro de la organización me he dado cuenta de que los tiros iban por otro lado. En concreto, por el terreno de la apariencia y el tanto a mi favor. He de decir que dentro del personal de la organización la cinefilia abundaba, pero cuando escalabas en la jerarquía y llegabas a tocar el ámbito, establo o corral (con mis respetos a caballos, gallinas, conejos y demás animales de granja, faltaría más) de los políticos, la peste olía demasiado perfumada. Y eso no cuadra.

Preguntando, escuchando, observando y curioseando, he confirmado que los políticos sólo creen en el éxito de eventos de este tipo si el dossier de prensa que resulta a posteriori es gordo como el libro de Petete; que se la suda que por las calles y cines de Granada se proyecte cine coreano, turco, americano, senegalés o iraní, siempre y cuando con esta iniciativa se joda al Festival de Málaga que está subvencionado por el ayuntamiento de la ciudad, que es PP; que les encanta apoyar una cosa tan vistosa y multicultural en donde el diálogo abunda de cara a la galería, porque la gente si hablaba de algo era de cine, no de arreglar el mundo, y si alguien hablaba de esto, era a altas horas de la mañana, con la embriaguez pertinente y sin peste a político alrededor; y por último, les encanta subvencionar estas cosas tan solidarias y en aras de mejorar la situación de los pobres del mundo…alojando a los invitados en hoteles de 5 y 4 estrellas, gastando el dinero público en excesos y alhajas varias. Hasta a la prensa se le ha pagado viaje, alojamiento, comida, taxis, y casi las putas. Es lo que tiene querer ser el baluarte de un cine del tercer mundo, pero cuyo objetivo real es salir guapo/a en la foto. Eso vale una pasta, concretamente casi un millón de euros.

En fin, que me lo he pasado genial con este trabajo, más allá de la “politirquería” (acuño el neologismo) gracias a mis compañeros de trabajo y a mi grupo de voluntarios/as, gente despierta, viva, joven, hedonista y maravillosa, con ganas de hacer las cosas bien, y cuya motivación iba más allá del dinero, la apariencia o el gusto por la opulencia.

Autor: ja

Etiquetas: Cines, Sur, Granada

Como no sólo de pan vive el hombre -y visto que TODOS pensamos en clave electoral- voy a recoger el guante lanzado al aire en fading  -ahí la llevas, bailala (si quieres)- para cambiar el tercio. 
Como comprenderan esto de mantener un ritmo alto de publicación sin repetirse demasiado no es fácil así que voy a poner aquí mi trailer favorito -he de reconocer que el suyo es difícil de superar-, ese que me hace subir el cosquilleo por el estómago -mis admiradoras seguro que lo entienden-

Ese mensaje de redención que trasciende toda consideración etílica...

Etiquetas: Angel, Martin, Patricia, Conde, Sexta

Apenas llegar y encender la tele en Días de Cine apelaban a mi cinefilia, a mi supuesta inteligencia y a mi bolsillo con la intención de tentarme a ver la última de asesinos en serie realizada por David Fincher, director que reinventó el género en los noventa con Se7en .
Más que suficiente, al decir 'Brillante ejercicio...' ya me habían ganado para la causa.

Zodiac es el nombre del asesino más mediático -esta vez sí- desde que el médico de la reina Victoria 'limpiara' el escaso honor del Principito Albert .
A finales de los 60, en California, un inteligente y cuidadoso asesino se divertía matando a gente de manera aleatoria y mandando posteriormente cartas y mensajes cifrados de reivindicación a la policía y los principales periódicos de la zona. De esta manera llegó a crear en la sociedad atacada dos poderosas corrientes -aquí el caso vuelve a parecerse al de Jack- una de pánico -que llegó a convertirse en histeria colectiva por la propia debilidad de la masa- y otra de cierta admiración que acabaron por colapsar a investigadores, policía y periodistas.

El arranque de la película tiene la fuerza de un clásico sico-thriller: brutales asesinatos -llama la atención el realismo en el tratamiento del acuchillamiento de una joven pareja en el Lago Napa, sientes el cuchillo entrar, sientes el dolor y sabes que no moriran rápido-; inteligentes asesinos; héroes indestructibles, aparentemente; pistas cifradas que a nada conducen; algo de humor ácido; y torpe protagonista que, adviertes, ocultará un as bajo la manga.
Es así hasta que la policía interroga al principal sospechoso.
Más tarde, a medida que la película avanza y la trama se complica, la frustración se contagia de la policía al espectador -de manera intencionada- y una especie de calma tensa se va apoderando de la historia. Es notable la habilidad de Fincher con los colores y los ambientes para crear sensaciones en el espectador: la lluvia impenitente en Se7en; la noche eterna de Michael Douglas en The Game; la claustrofóbica Habitación del Pánico... en Zodiac son unos marrones y verdes cálidos, pesados y desasosegantes que me remiten a esos días de bochorno en los que cada músculo del cuerpo pesa como una losa y esperas que de un momento a otro caiga el chaparrón.

De repente, todo el mundo parece olvidarse de Zodiac, es un caso archivado que ya ha traído demasiadas noches en vela para todos y ahí tenemos la secuencia acelerada en la que vemos crecer y formarse la Pirámide Transamérica que sirve de puente para dar paso a la Segunda parte de la película.
Es entonces cuando empieza el retrato de varias obsesiones: las de los dos periodistas del San Francisco Chronicle.

Paul Avary -la mejor interpretación, Robert Downey Jr- reportero estrella, cínico y experimentado se ve superado por esa obsesión y acaba ahogado por el alcohol y las drogas; Robert Graysmith -un tanto afectado Jake Gyllenhaal- que de boy scout aparentemente inofensivo se va transformando en un maníaco obsesionado con la identidad de Zodiac hasta el punto de abandonar a su propia familia durante la búsqueda.
Es en esta segunda parte donde la película se convierte en imprescindible, dejando a un lado sustos fáciles o efectistas giros de guión para dar paso a un relato meticuloso en la forma, reflexivo, maduro, prudente, realista -o hiperrealista para los amantes de 'corrientes'-, respetuoso con unos hechos que marcaron la vida de gente real.

Quizá el mínimo e inquietante retrato del asesino sea el nexo que une las anteriores películas del director -representadas por Seven- con este nuevo cine con mayúsculas que, ya sí, de manera unánime lo lleva al panteón de los Grandes.

Para la nueva ola de 'cinéfilos' con sección propia en la FNAC -aquellos que lo han encumbrado- Fincher ofrece multitud de guiños a grandes clásicos Pop -recurso ideal en según qué conversaciones-; desde las más obvias Bullit y Dirty Harry -el malo, Scorpio, es Zodiac- a Todos los Hombres del Presidente o Malas Tierras.

PS: A no ser que sea un insomne irremediable no vaya a verla a la sesión golfa.

PPS:  Buff! Otra vez el   megalómano    amigo de los pobres

Etiquetas: Zodiac

En estos tiempos de liberticidas y corrección política. De superioridad ideológica y moral porque sí -argumento este irrefutable- siempre es de agradecer que alguna película cuele un tratamiento visual novedoso y una temática no ya en desuso si no sorprendente por su originalidad y por atentar contra el pensamiento cultural dominante, no en vano la defensa cerrada de la libertad se hace por encima de cualquier consideración o palabrería, en el primer envite la sangre está en el tapete.

Como todo el mundo sabe '300' está basada en el comic homónimo de Frank Miller y Lyn Varley, que narra la Batalla de las Termópilas a través del único espartano superviviente y centrándose en la vida del rey Leónidas. Algunas voces se han oído por ahí vilipendiando la película por sus "exageraciones históricas", personas que no hayan pasado del Capitán Trueno en el mundo del cómic no pierdan tiempo, dinero ni nos calienten la cabeza.

Los espartanos son representados como un pueblo guerrero, orgulloso de su libertad, fieles a sus propios códigos de honor, amantes de la lucha y la guerra. Bravos e incluso crueles defensores de su estatus de pueblo-guerrero y libre, en definitiva un caramelo para la generación del video juego en 3D.

El argumento es bastante simple y conocido por casi todos: Léonidas y sus 300 espartanos junto con algunos miles de voluntariosos griegos reclutados de entre los pueblos amenzados se dirigen al paso de las Termópilas a enfrentarse a Jerjes que, al frente del mayor ejército conocido por el mundo, pretende someter a Grecia y sus pueblos e instaurar una época de oscurantismo, sumisión y, por supuesto, "prosperidad". Notable es una frase, extraída del cómic, de Jerjes a Efialtes: "Leónidas es cruel, te pide que te levantes; yo soy bondadoso y sólo te pido que te arrodilles.

Por lo demás la película es muy fiel al cómic aunque, como no podía ser de otra manera, se suaviza y humaniza a los espartanos -aunque parezca increíble- y se añade una trama política -mientras Leónidas defiende a su pueblo en la batalla los "representantes" del pueblo urden una trama para desbancarlo- y se profundiza en la relación entre el Rey y su mujer.

Para mí  lo más destacable de esta película, temática aparte pues eso ya está en el cómic, es el tratamiento visual de la misma, bastante fiel al sentido del comic aunque ahondando en la magnificencia y sentido épico dotando de un cierto brillo a los colores y difuminando los contornos, que consigue transmitir el sentido de epopeya clásica y, por tanto, lucha atemporal a través de un lenguaje nuevo y original. Es cierto que en ocasiones recuerda a Gladiator -esos trigales, ese niño, esa música...- pero es posible que no se trate de un homenaje si no todo lo contrario.

Los continuos saltos en el ritmo: de secuencias llenas de acción y sangre, casi aceleradas a momentos de gran emotividad y dramatismo, en ocasiones ralentizados o congelados; la exageración y magnificación expresa: los monstruos mitológicos -lobo, rinoceronte, elefantes; el verdugo, el gigante-, el ejército que hace temblar la tierra y oscurece el sol con sus flechas; y lo atractivo de una temática hecha a medida para defensores de la libertad y la civilización occidental desde el sillón de casa hacen de '300' una película perfecta para reconciliarse con el cine como espectáculo y entretenimiento de fin de semana.

PS: No puedo evitar añadir aquí un extracto de la entrevista publicada en el dominical de El Periódico al director, Zack Snyder:

• Mientras los espartanos sólo peleaban los persas celebraban orgías, ¿no le parece una opción más saludable?

Eso pregúnteselo a mi mujer.

Pues eso.

Etiquetas: 300, Frank, Miller

Cada vez me cuesta más dejar los imprescindibles beneficios que con disfraz de cordero y voracidad lobuna nos exigen los machacas de turno por asistir al estéril espectáculo que de manera habitual se proyecta en los multicines. Mi, en ocasiones desaforada, defensa del amigo americano y su inmersión cultural no está reñida con la infinidad de atractivas propuestas que gracias a la impagable Comunidad Virtual hoy están al alcance de un clic. Jorge recomendaba a través de Filmaffinity El Regreso y a mí me llamó la atención.  

Para mí, que todavía no he pasado por Tarkovski, lo más destacable de El Regreso no está en su maravillosa fotografía, o en sus impactantes paisajes, o en la armoniosa alternancia entre la inmisericorde lluvia y la deseperanzada claridad.

Lo que me ha cautivado de esta película es la traducción a un lenguaje visual moderno -por tanto atractivo- de un guión en el que apenas hay diálogo y que se basa en las miradas y silencios de los protagonistas más que en sus palabras. En sus emociones más que en sus acciones.

Andrei e Ivan son dos hermanos adolescentes a los que la repentina vuelta -después de 12 años de ausencia- de su padre les obligará a madurar, esto es, a enfrentarse al miedo y a la incertidumbre. El padre aparece de la nada, vuelve como se fue: sin razón ni explicación y los lleva a no se sabe dónde y no se sabe por qué. La trama se desarrolla durante una semana en la que los días pasan por las hojas del diario que ambos hermanos se obligan a compartir. A medida que la historia avanza los personajes se vuelven más ambigüos, nunca está claro si ese padre autoritario y enigmático, frío y distante, cruel en definitiva lo es porque no entiende la relación padre-hijo de otra manera y en el fondo puede ser el amor el que lo mueva; nunca está claro si el hijo menor (Ivan Dobronravov) -sencillamente perfecto, no puedo imaginar una interpretación diferente- ama u odia a su padre, admira su fuerza y decisión o desprecia su arrogancia y soberbia; nunca está claro si el hijo mayor Andrei  (Vladimir Garin) -una biografía que deja la piel de gallina- se limita a seguir las poderosas corrientes de la imposición psicológica: sus amigos cuando insultan y denigran a su hermano, su padre con las formas comunistas, soviéticas.

Sin duda esta ambigüedad es lo que mantiene la película abierta e interesante y evita que caiga en la pesadez existencialista e infumable de tantas otras. Ambigüedad y sencillez extraídas en cada fotograma. La sobriedad, mejor aún austeridad, de paisajes y decorados siempre abiertos y grises contrasta con la expresividad emocional de los personajes que oprime y oscurece la película. Una lectura política nos llevaría a ver en los hermanos al propio pueblo ruso, alegre y obediente pero no por eso menos orgulloso y autosuficiente, y en el padre al Partido, siempre autoritario, siempre cruel, siempre apunto de redimirse, nunca dando el paso para hacerlo.

A destacar, por último, la secuencia final que sirve como reflexión sobre el poder de los recuerdos inducidos. Las fotografías tomadas durante el viaje rezuman nostalgia -y por tanto cierta felicidad- y bien podrían ser de un idílico viaje famliar.

No soy de esos que lamentan tener razón, cuando la tengo -que no es tantas veces así que permítanme saborearlo unos minutos- me gusta decir: "Lo ves?, ¡lo sabía!" Pues eso, que lo han masticado y han escupido los huesos.

Y como digo una cosa digo la otra, le echaba yo la culpa muy alegremente a Prisa de la censura a la entrevista de García, pero en justicia he de decir que no sé quién ha sido el detonante.

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Hace ya bastante tiempo que la televisión me aburre, cuando no me pone de mala leche. He terminado optando por un exhaustivo programa de selección que me ha llevado a ver solamente el Real Madrid los días de guardar, los partidos de España en cualquier deporte que no sea fútbol y las noticias de la noche, Cuatro preferiblemente, aunque a veces me pongo TV3 o la Primera -me paro a releer lo escrito y por fin encuentro la explicación al principio de úlcera y a la mala follá que lenguas insidiosas achacan a mi Granada natal-.

Digo esto porque ayer, de casualidad, ojeé la parrilla televisiva y me encontré con una grata sorpresa: dos personas que admiro por razones tan opuestas como las que me hacen disfrutar de la noche o el día. Quintero entrevistó a Federico Jiménez Losantos.

Ambos estuvieron soberbios, Quintero volvió por sus fueros después de una insustancial entrevista a una persona... inane.

Empezaron recelosos, como dos púgiles bailando uno alrededor del otro observándose, temiéndose. A medida que avanzaba y descubrían que ni uno era tan malo ni el otro parecía tan progre el entrevistado se fue abriendo hasta el punto de mostrarnos a la persona cultivada, inteligente,irónica, agresiva, ambiciosa, un punto ególatra que es;  de confesar lo que sintió cuando los terroristas deTerra Lliure le secuestraron y dispararon; de cómo buscó en el marxismo un sustituto a Dios y en la defensa intransigente de la libertad de acción y expresión un sustituto a la estupidez; por qué hace la radio que hace; e incluso expresó un deseo que, creo, compartimos muchos de los que nos interesamos algo por la política patria: preferimos un cambio profundo y radical en el PSOE antes que la llegada del Partido Popular a la Presidencia del Gobierno.  

La perla final vino cuando el entrevistador se cuestionaba si en verdad era así, si era lo que parecía, si era un "facha", la respuesta es obvia "¿usted mira así a la gente cuando se toma un café con ellos?" Al final parecía hasta que acabarían besándose.

Como estaba crecido decidí quedarme a ver el tan cacareado Noticiario de Dragó en Telemadrid, ecléctico, a veces ágil,  a veces fatigoso, personal. El entrevistado era el Ministro de Justicia - una de las tres personas salvables del Gobierno Rodríguez-, le costó atravesar la coraza de Político que -son humanos- la mayoría llevan pero al final le quedó una entrevista correcta, incisiva a veces, pero sin hostigar, sin atrevimiento, sin mordiente. Me ha dejado frío, demasiadas aspiraciones, demasiada confianza.

Todo puede ser por causa del entrevistado

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Para cerrar el triunvirato -House, a pesar de mis reticencias y prejuicios iniciales he de decir que no está nada mal, de hecho está muy bien, aunque un punto por debajo- de la edad de oro de la televisión americana -muy a nuestro pesar también aquí podría decir la edad de oro de la producción televisiva-, a las mencionadas El Ala Oeste de La Casa Blanca y, ¡no puedo esperar a la primera parte de la sexta temporada,! Los Soprano; habría que añadir -para mí en segundo lugar- un día en la Vida de Jack Bauer

Me gusta tanto, ¡qué original!, porque siempre está en el filo. Tienes que preguntarte una y otra vez si el fin justifica los medios. ¿Está legitimado el pisoteo de derechos y libertades por parte del estado -entiendo democracia liberal- a fin de evitar una catástrofe mayor? ¿Están justificados los "daños colaterales" en tu propio país, contra tu propio pueblo? Razones objetivas hay, pero, ¿hay razones? ¿son objetivas?

He de reconocer que, como siempre,  esto no es más que una excusa para tranquilizar a mis cuatro admiradoras, no es más que una ficción, la realidad siempre es mucho más impresionante.

Si hay una película que espero con terca ansiedad, por la que siento algo parecido a la pueril zozobra que me provocaban los trailers de El Señor de los Anillos o, iluso de mí, cada nueva entrega de la prescindible precuela de la Guerra de las Galaxias, esa película es Flags of our Fathers

Y, para ir calentando, me he acercado a una de las deudas pendientes que tenía con el mejor director americano vivo

-lo cual es casi como decir el mejor director vivo-.

En 1985 Eastwood volvía a las raíces del cine con un western que recuperaba la temática clásica: un pequeño asentamiento minero es hostigado constantemente por los hombres de LaHood, un rico propietario que posee todo el valle excepto el arroyo que sirve de base a los mineros.  Cuando la presión es insoportable, después de una última y cruenta advertencia por parte de los hombres de LaHood, aparece "El Predicador" un misterioso jinete solitario, parco en palabras, "apareció de pronto un caballo claro y el nombre de su jinete era la muerte", mientras la joven Megan reza pidiendo ayuda  a Dios. 

La película empieza con secuencias alternativas de un grupo de pistoleros a galope tendido por praderas y bosques otoñales del norte californiano y la aparentemente apacible vida en el pequeño campamento minero. La tranquilidad es rota cuando ambas convergen y los jinetes saquean el asentamiento. A partir de ahí la película despliega los más recurrentes tópicos del cine del oeste, pero al igual que es  el torero el único capaz de convertir el reiterativo espectáculo en arte, subyugando al toro y llevándolo  por donde le ordena, es Eastwood el que nos empuja a la repetición de argumentos para recogernos con suavidad a veces, con violencia las más y dejarnos en lugar seguro con la sensación de que no puede ser tan sencillo como aparenta. Y no lo es, porque poco después nos vuelve a arrastrar al mismo sitio, pero por otro camino. Esto, que a partir de esta película es seña de identidad, alcanzará el cénit en Mystic River o Los Puentes de Madison.

Quizá el rasgo más llamativo y original de la película es la convivencia de un toque fantástico, onírico -todas las apariciones del predicador están envueltas en misterio, no se sabe de donde viene, por qué viene, o a donde va, pero siempre le acompaña un aura de Justo Vengador, heredada de Leone- en el tratamiento de El Predicador  y un registro realista, a veces crudo, en la puesta en escena -me llama mucho la atención una escena en la que Megan, la muchacha, es forzada por el hijo de LaHood, pero en una secuencia de 3 ó 4 minutos no aparece más que en un plano de apenas unos segundos, picados y contrapicados del violador e Eastwood refuerzan el aire sobrenatural del Predicador. Escena que para mí resume todas las virtudes de la  película ya que el tema eterno del rescate de la mujer desvalida está tratado con un lenguaje absolutamente moderno: sexo, violencia, realismo y misticismo-.

El duelo final entre El Predicador y Stockburn -Marshall corrupto contratado por LaHood para eliminar a los "rebeldes"-  es la confirmación de la personalidad de Eastwood y su ruptura con Leone y Siegel. En largas secuencias llenas de tensión y calma, el predicador va eliminando uno a uno a los esbirros de Stockburn, sin las excentricidades tan del gusto de Leone que convertían sus westerns en parodias, ni las ensaladas de tiros y explosiones de Siegel; lo hace con calma, sin recrearse, casi sutilmente, muerte y violencia no se esconden, sí, pero no hay deleite en ello y sobrevienen por imposición externa no por un afán expreso.

En definitiva EL Jinete Pálido es un excepcional western al que no hay que acercarse como a tal, si no como una reflexión sobre la violencia y sus consecuencias, la soledad y la indefensión ante el poder; y es, cómo no, la antesala de la excepcional Sin Perdón.

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Hace tiempo que debería haber dejado caer por aquí algunas letras, pero me deslumbra el despliegue de ideas maduradas y frases bien construidas que hace Armando, y siempre me echo para atrás. "No sé qué/cómo escribir", me digo. Pero bueno, siempre llega el día en que te antepones a los complejos y consigues poner sobre la bandeja del papel vísceras, sentimientos, ideas...o una pequeña crítica sobre una película encantadora.

 Muchos de vosotros habréis visto decenas de road movies. Desde "Entre copas" en donde un par de amigos se embriagan entre los ritmos de la carretera y el chi-chin de las copas de vino, hasta la escapada frenética de "Thelma & Louise" o el trío sensual y a la deriva de "Y tu mamá también". Pues bien, yo quiero hablaros de una road movie familiar (creo que habrá pocas en la historia del cine), excéntrica, subversiva y encantadora. Es "little miss sunshine".

 La apuesta es original desde el principio, presentando unos personajes a los que la vida ha derivado a diferentes terrenos, muy cercanos a la crisis nerviosa. Tenemos un padre obsesionado con el éxito (metáfora de la a veces paranoica obsesión de los americanos por este tema), un hijo que ha hecho voto de silencio, un abuelo adicto a la heroína, un tío que acaba de intentar suicidarse, una hija-niña-pequeña obsesionada con ganar un concurso de belleza y una madre cuerda, pero tensamente arrastrada por la "locura" de un grupo al que ama. El plantel no puede ser más extraño y difícil de asimilar sobre el papel, pero la buena dirección de los debutantes directores, y un guión magnificamente construido, te conducen sin ambages por el peculiar viaje de este grupo.

La película se centra en el camino que recorre la familia hasta el concurso de belleza para el que ha sido seleccionada la hija. Deben recorrer más de 1000 kilómetros en poco más de un día, en una furgoneta destartalada y con apenas unos dólares para gastar. Durante el camino se suceden las situaciones cómicas, emotivas, absurdas, surrealistas, tensas y desternillantes...Hasta que llegan a su destino. El final es tan profundo como excéntrico, gracioso y emocionante.

 Es una película de factura sencilla pero con mucho que contar, que al final te deja una grata sonrisa sobre la cara para el resto de la noche. Y para mí,  esto ya es mucho.

Autor: ja

En la región más desolada e inhóspita de  la tierra tiene lugar el canto a la vida más extraordinario: la epopeya de un pueblo maldito en un lugar remoto para asegurar la supervivencia de su especie.

Lo que empezó como un documental cualquiera sobre el ciclo reproductivo del Pingüino Emperador, acaba superado por la propia épica del proyecto y se convierte en una fábula sobre los innumerables escollos que ha de superar la vida para perpetuarse en condiciones extremas.

Para saber más sobre el proceso de preproducción, esta entrevista al director, pero yo me quedo con la lírica del largometraje que ya desde los primeros planos de un turbador páramo blanco nos sugiere la belleza y la crueldad que encierran y completan la vida del ave.

El cuento empieza así: " Érase una vez un jardín. Una tierra fértil y generosa, llena de vida. Hace mucho tiempo, antes de que llegara el invierno. Pero un día todo fue arrasado por el blanco..." Y la voz de dos narradores que toman el lugar y los pensamientos del pingüino hembra y del pingüino macho me van acurrucando hasta convertirme en uno más de la colonia. Me hacen sentir el amor -me estremezco durante el cortejo nupcial en el que las hembras compiten entre sí por una única monta posible por macho, un segundo intento es un lujo enérgetico y ambos son imprecindibles para la supervivencia del polluelo- y la ternura - durante la danza que supone el pase del huevo de la hembra al macho en el que el tiempo no existe pues el mínimo contacto del huevo con el aire congelado acabaría con la cría-; el dolor y la abnegación -durante el viaje de la hembra a través de cientos de kilómetros de desierto helado en busca del océano fuente de energía y vida, durante la incubación del macho en la noche eterna de la Antártida-; el miedo -a que se acaben las fuerzas, a que el frío te doblegue, al próximo depredador- y la alegría -al llegar por fin al agua, a la vuelta de la hembra con el preciado alimento-, el Milagro de la perpetuación de la especie.

A todo ello contribuyen los planos infinitos de una blancura aterradora quebrados por por la interminable marcha de los pingüinos, que me llevan continuamente de la majestuosidad de los primeros planos,

a la inmensidad de los planos generales en los que, sin embargo el ser vivo siempre mantiene el protagonismo frente al entorno

Una película, en fin, de una belleza extraordinaria, plena de poesía, de delicadeza. Un excepcional homenaje a una de las existencias más duras y bellas del planeta.

La Marche de L'Empereur de Luc Jaquet

"Everything is being done before, in a way or another, the only thing that changes is technology"

"De una u otra forma todo se ha hecho antes, lo único que cambia es la tecnología"

Del documental de Sydney Pollack, Apuntes de Frank Gehry

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Ya dije por aquí que la más que acertada campaña de propaganda organizada alrededor y mi candidez y confianza en los que van de íntegros por la vida terminarían por hacer mella  en mí y acabaría visitando las salas de cine para ver la adaptación de Díaz Yanes a las cinco novelas de Pérez-Reverte.
Elegimos el Icaria para verlo porque pensaba - ¡iluso de mí!- que un cine en el que den las películas en V.O. lo más probable es que la gente que vaya a verlas sea algo más respetuosa y esté más pendiente de la película que de demostrar sus dotes adivinatorias o sus conocimientos en la materia en proyección ¡Craso error! Nos tocó al lado de Triqui
                      
                         
 
y del escriba de Pérez-  Reverte que impresionaba a su chica con sentencias de este tenor: "Ese es el Conde-Duque de Olivares" "En el libro no es así" "Ahora seguro que..." En vista de lo cual y ante el panorama desolador que se presentaba ante mí hice mía esa gota de sabiduría popular que reza "Donde fueres haz lo que vieres" y ataqué mis palomitas como si la vida me fuese en ello. No es de extrañar que mi acompañante me fulminara con una mirada de desaprobación que acabó con el hambre, el ansia y las ganas de dar por saco.

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Coto  Matamoros

Y Fernando Sánchez Dragó

Me redimen con Quintero,

Piensa,

Piensa,

Porque si no, habrá alguien que lo hará por ti.

Y eso es... chungo.

A ver si lo comprendes.

              Jesús Quintero
 

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Yo estoy en que en la publicidad hay más nivel que en la televisión...

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Con Quintero:

E: Vivimos en el mejor mundo que ha existido hasta la fecha, hasta ahora hemos vivido bajo el gobierno del salvajismo. No es en absoluto el mejor mundo posible, pero sí el mejor mundo a lo largo de la Historia[...]

Antes pensaba que la economía era una tontería pero he estado un tiempo estudiándola y me parece una ciencia maravillosa. Ahora entiendo muchas cosas [..]

El gobierno platónico del Rey Filósofo es un delirio dictatorial y por tanto muy peligroso[...]

Q:En política hay muchas manzanas podridas

E: No más que en las fruterías

Q: Por lo que dice deduzco que usted piensa que ahora ha aumentado el número de tontos

No, no, no. ¡Que no soy pesimista! Que no habrá forma de llevarme a ese terreno...

El feminismo actual es consecuencia de la impasividad del hombre. Ahora el feminismo se ha pasado en gran medida al mundo gay [...]

Sabes que en otros tiempos te hubieran quemado por lo que has dicho aquí esta noche.

Puede que sí, pero he hablado con la mejor intención

Y querían hacernos creer que estaba borracho...

A la vuelta Quintero lo ha entendido perfectamente:

En este mundo mercantilista y cruel...

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¿No les parece un título con gancho? Como les contaba a las cuatro admiradoras - mamá yo también te quiero - que me siguen con fidelidad penitente, rayana en lo morboso, hace no mucho tiempo que descubrí la comunidad Filmaffinity, y trayendo a gala ese sentimiento compulsivo que se me manifiesta ante determinadas circunstancias me he lanzado a valorar películas y a archivarlas en listas del tipo "las mejores películas" Vs "las peores películas"; pero hete aquí cuál será mi sorpresa que me doy cuenta de que -construcción absolutamente esnob-  ya tengo las cien mejores películas de la historia del cine, y como es una lista absolutamente libérrima y ecléctica -quizá estoy abusando- pues he decidido que el que no tenga nada peor que hacer le eche un vistazo y diga algo, si quiere claro.

No sé, por ejemplo, yo de Eastwood no cogería esta...

¡Cómo se te ocurre poner esta de Huston?

¿ y de Hitchcock?

¿Infantiles? No hay duda

En Kubrick puedo permitir cierta disidencia

Pero hay tres por las que no consiento una voz más alta que otra

Y una por la que estaría dispuesto a matar

Etiquetas: CIne, Filmaffinity

El panorama desolador de la cartelera actual, ni siquiera mejorado por esos supuestos cines independientes y alternativos que en su mayoría ofrecen más de lo mismo, nos empujó ayer a ver la última del probable hombre más poderoso de Hollywood porque, una vez más, es su película. La elección del director ya es todo un síntoma del talento de este hombre para saber donde arrimar su ascua, un directorzuelo de "culto" de series de televisión de las que no he conseguido terminar ni un capítulo pero que, a lo visto, disfrutan de cierta fama y respeto, algunas,como Perdidos, cercanas al culto irracional.

El caso es que teniendo en cuenta que es una película de Tom Cruise, la película no sale mal parada del todo. Cuando entras en el centro comercial sabes lo que te vas a encontrar, por lo que actúas en consecuencia, un buen aprovisionamiento de Pop-Corns y Coca-Cola y ganas de oír ruido y ver tiros y amoríos insolostrables, pero lo sabes. Lo peor de la película, como en todas las películas en las que se dirime el dinero de Tom, es la edulcorada hasta la náusea relación de amor entre el héroe y, hoy, su prometida, una belleza en serie factoría Cruise. Él la quiere tanto que está pensando seriamente dejar la agencia Fuerza Misión Imposible para la que trabaja, ella le quiere tanto que siempre confía en sus secretos. Sexo supuesto y aséptico entre gasas y guantes de látex y boda casposa estilo iglesia de la cienciología. Nada nuevo bajo el sol, soportable si abusas de las garguerías imprescindibles.

Las escenas de acción son todo lo espectaculares que ciento cincuenta millones de dólares puedan comprar, con momentos interesantes como la persecución de helicópteros entre molinos de viento o el robo del "rabbit foot", supuesto anti-dios de ochocientos cincuenta millones de dólares que sirve como excusa argumental; la escena del puente algo sobrecargada y epiléctica me recuerda mejores actuaciones y directores con más talento; y sobre todo el que ahora, al igual que en la serie original, hay un cierto trabajo de equipo, que nos ahorra exhibiciones de Ethan Hunt; a destacar Ving Rhames en su papel de conciencia de Hunt y de confidente y guiño al espectador.. Otras dejan algo más que desear, como el efectista y pobre de argumento secuestro en el Vaticano - "Lo único que no ha quedado claro para Ethan es que El Vaticano, es El Vaticano"-, en el que lo mejor es el coche, el traje y la espalda de Maggie Q

Pero lo que salva la película de la mediocridad es el más que admirable trabajo de ese soberbio actor -a pesar de Happiness- que es Philip Seymour Hoffman, el típico malo que sólo ansía dinero y sumisión se transforma en su piel en un hombre turbio, oscuro, inteligente y frío. Cuando el agente Hunt lo cuelga del avión en un intercambio de papeles interesante Owen Devian -Seymour Hoffman- amenaza con dañar lo único que podría herir a Hunt, ella, y lo cumple y veo esa gélida crueldad instalada en el imaginario colectivo por mor de Ralph Fiennes; y sé que, a pesar de todo ha merecido la pena.

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La primera vez que leí El extraño caso del Dr Jeckyll y Mr Hyde, pensé que maldito aquel que se lanzó a la brillante idea de contar al mundo el final de tan apasionante libro. La dualidad humana, el bien y el mal que habitan el alma de todo hombre y su lucha por conquistarla, la pasión científica de la época -Verne, Shelley...-, el romanticismo, la hipocresía que impregnaba toda relación social y que convertía todo acto socialmente prohibído o moralmente reprobable en un placer absoluto, en una liberación. Tal vez fuera el ácido lisérgico

Supongo que gran parte de la culpa de la inmediata asociación de Hyde con Jekyll en una misma persona la tenga la película que Víctor Fleming rodó en 1941 para la Metro, con un reparto de lujo encabezado por Spencer Tracy, Ingrid Bergman y Lana Turner.

Tracy en el papel de Jekyll tal vez se muestre algo pedante e inexpresivo, y en el papel de hyde a veces algo histriónico

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Fue una tarde completa, una tarde casi perfecta de domingo. Todo estaba preparado para que fuera perfecta, el bon menjar, una agradable sobremesa, una pesada digestión por hacer, buenos amigos y una larga tarde de cine por delante. El tiempo fue el único que no acompañó. Un sol radiante invitaba a salir y empaparte de primavera.

En primer lugar era necesario ponerse de acuerdo en la elección. Yo he visto esa. Y yo la otra. Esa no, que las de guerra no me gustan.

Esta te va a gustar, no es como Patton, es un punto de vista que nunca has visto. ¡Jo, que no me apetece!. Vaaaale.

Al final una que tú no has visto,

Al pasar otra vez por Lost in La Mancha, me he reafirmado en la idea de que no sólo me fascina la maldición bíblica que cae sobre la película. Me gusta porque es una gran película, no es un documental. Lo mejor el guión, que sigue al libro. En la película, como en El Libro, vivimos la batalla de don Quijote, Gilliam, contra la realidad. A pesar de las continuas humillaciones, a pesar de la  conjura de la realidad y sus elementos contra el personaje que ha decidido crear, sigue. Infatigable… Hasta que no depende él. Hasta que la tozuda realidad acaba con él.

Una que yo no he visto,

No direction Home era una deuda pendiente. Uno de mis directores de cabecera. Uno de los grandes de verdad de la música, de la Historia. Injustificable.

La excusa es el giro que dio a su música un chaval de apenas veintipocos, venerado cantante Folk, que conseguía poner verso, guitarra y armónica a los pensamientos de una generación y la intransigencia de sus presuntos seguidores. El fondo es la lucha de un ser libre por mantenerse fiel a sí mismo. Cambiar cuando él quiere cambiar. Hacer lo que él quiere hacer.

Ya lo ves, eso no puede tolerarse. Tienes que ser quien nosotros queramos que seas, no puedes salirte del redil, no lo vamos a permitir.

Alguien grita ¡Judas!. No te creo, responde Dylan.

En los minutos de la basura, en el cubo de la basura, me encuentro con un presunto análisis del fenómeno messenger, del fenómeno porno en la red y en definitiva del fenómeno Internet. Quien mucho abarca poco aprieta. Tan sólo alguna frase interesante, alguna reflexión superficial:

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Mi buen amigo joe ha venido a la ciudad más cosmopolita de España , según palabras nativas de la metrópoli, a la par que ombligo del mundo por convicción , según palabras del mentado joe, contradicción en sus términos como habrá advertido el desocupado lector.  Pero por esta vez podemos dejarlos tranquilos, bastante tienen con lo que tienen.

Entre nuestras vehementes algaradas políticas, en las que mi virulencia anula cualquier posibilidad de acuerdo e incluso, a veces, cualquier atisbo de razón; y nuestro priápico análisis cinematográfico en el que la soberbia anula cualquier atisbo de objetividad, me ha recomendado pasar a formar parte de la comunidad Filmaffinity. Un espacio que trata de poner en contacto a cinéfilos, simpatizantes y medio pensionistas y que ha sabido captar con inusitado acierto la esencia de esta poderosísima arma que tenemos entre manos, aka,  internet.

Filmaffinity básicamente es un lugar de encuentro en el que desfogarte como crítico cinematográfico o dártelas de recorman en el visionado de películas, en el que ensalzar las virtudes de aquellas películas que te han dicho algo y en el que hundir en la miseria aquellas que te hicieron maldecir más de un antepasado. Pero no sólo es eso, te ayuda a encontrar tu alma gemela en cualquier parte del mundo, puedes postular acerca de lo bueno y lo malo con la tranquilidad que da el anonimato, como cualquier catedrático de medio pelo del American Film Institute , puedes comparar precios entre las principales compañías de venta de películas a domicilio, alquilar desde el sofá de tu casa, taquillas, estrenos... el sueño de cualquier freak desocupado, en fin.

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Posiblemente Hayao Miyazaki sea el creador de animación con un universo personal más fácilmente identificable. El Castillo Ambulante es la última de este creador incansable de piezas únicas, que, en algunos casos sin saberlo, ya forman parte del imaginario colectivo occidental. Desde la joya freak por antonomasia , pasando por la eterna Heidi , hasta su maravillosa, impagable e irrepetible visión del detective con mejor olfato conocido a este lado del sol poniente

El Castillo Ambulante quizá no esté a la altura de, para mí, sus dos mejores películas El Viaje de Chihiro y La Princesa Mononoke pero esto no le resta méritos, es más, es una película distinta y por tanto no se puede utilizar la misma vara para medir una y otras.

En esta película Miyazaki nos sitúa en un mundo intemporal en el que la gente viste y se comporta como el eterno burgués de fines del siglo XIX y principios del siglo XX pero que se desplaza en patinetes voladores, se ve amenazado por inmensos acorazos cercanos a los imaginados por Lucas y aún cree en la magia como remedio eficaz y en la bondad innata de reyes y gobernantes que no hacen otra cosa que velar por nosotros, y si la guerra asoma es por razones ajenas a estos, porque en el mundo además de bondad hay maldad y, ambas, se encuentran en el ser humano a partes, a veces, desoladoramente iguales.

En este contexto, tan lejano de la mitología oriental que impregnara sus últimos trabajos y tan cercano en lo visual a Porco Rosso -y en el desarrollo de la historia, con personajes maduros, con solitarios incomprendidos que arrastran su maldición por tiempos convulsos-, se desarrolla la historia de Sophie una joven con un elevado sentido de la responsabilidad -como todos los personajes femeninos del director- que trabaja de manera abnegada en la sombrerería familiar y que parece contentarse con una apacible y gris vida de dependienta bajo la tutela de su madre. Todo cambia el día en que en un paseo por la ciudad conoce a Howl, un joven mago, tremendamente bello y seductor y la posterior visita de la Bruja de las Landas, que, enamorada de Howl y rechazada por este, decide cargar a Sophie con la culpa de su rechazo y la convierte en una anciana de noventa años

Sophie no puede revelar su maldición a nadie bajo pena de eterna condena así que decide buscar el Castillo Ambulante de Howl para que le ayude a deshacerse del hechizo. El viaje de Sophie se convierte entonces en una búsqueda de uno mismo, del amor, de la amistad, de un sitio propio. He visto a Dorothy, a Toto y al espantapájaros ; he visto a Bella y a La Bestia y he visto el mundo de Miyazaki, todo en perfecta armonía.

Todos los personajes principales se encuentran hechizados, convertidos en monstruos a la vista de los demás, y sin embargo nunca dejan de comportarse como lo que son: demonios menores y lo que fueron: seres humanos. El caso del personaje de Sophie es sencillamente genial, ¿como se comportaría una joven de dieciocho años en el cuerpo de una anciana de noventa? Como en otras ocasiones el peso y la responsabilidad en la historia están del lado femenino y aquí también un personaje en apariencia frágil se revela como una fuerza paciente y comprensiva pero constante y decidida.

Me ha impresionado el Castillo, la armonía dentro del caos; me he reído con Calcifer; me ha asombrado como el director ha conseguido, una vez más, hacerme odiar y querer con la misma intensidad a las brujas malas y a las buenas; y me ha cautivado el saber que un mundo en apariencia tan lejano como el de Sophie y Howl puede resultar, a la vez, tan cercano y tan cálido.

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Aunque un poco tarde, pero sin duda ganando en calidad de ambiente , he visto la última -y primera para mí- de Cronenberg Una Historia de Violencia. No me ha gustado.

La historia me ha parecido muy interesante: Un buen tipo realiza un acto heroico. Un mal tipo lo confunde con otro. El mal tipo presiona al buen tipo hasta el límite de su bondad y de su heroismo. Poco más me ha gustado de la película, a excepción claro está de un turbador Ed Harris que vuelve a hacer de ganster y una bellísima y entregada Maria Bello,

El protagonista es un hombre bueno y feliz, el padre perfecto, el marido perfecto, el amante perfecto, en un pueblecito tranquilo y perfecto . Un buen día unos asesinos implacables y faltos de escrúpulos deciden atracar su negocio. Él consigue acabar con ellos y convertirse en el nuevo héroe de la comunidad. La publicidad del caso atrae a Fogerty -Ed Harris- , un mafioso del Este -Filadelfia- que está convencido de que se trata de un antiguo enemigo. A partir de aquí el tipo bueno se va transformando en un ser que disfruta con la violencia y que contagia esa violencia a quien lo rodea, pero que se esconde envuelto en la piel de la bondad. En su hijo, un adolescente tímido, un marginado por vocación, afloran sentimientos violentos irreconocibles; su mujer fiel y enamorada al comienzo, acaba herida y desconfiada, peligrosa. Es interesante el papel de la familia, ¿conoces a la persona con la que vives desde hace veinte años? ¿es tu padre otro hombre distinto al que te muestra? Es lo mejor y más interesante de la película.

En la catársis del héroe es donde la película cae irremisimiblemente, con un William Hurt excesivo, cargante. La historia se vuelve maniquea, las explicaciones confusas, la violencia, tan descriptiva y acusadora con anterioridad, gratuita y el final presumible y sensiblero con vocación de ambigüedad. Para mí, lo que pudo haber sido y no fue.

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Me levantaba esta mañana diciéndome que ya ha estado bien. Una semanita de vacaciones, desconectado de la actualidad, viendo alguna película digna de recomendación aunque henchida de moralina.

Poniéndome al día de esas de obligado visionado y clara sobrevaloración.

Después de reponer fuerzas me disponía a arreglar una vez más el mundo de un plumazo, ¡cuánta felonía!   ¡qué desfachatez! -Aunque, claro, está mal que exija pero, ¿quién ha avalado? ¿quién los trata como si fueran representantes democráticos de una idea política? Como diría El Maestro Nótese "como si fueran"-

También estaba aquello de Irak , con sus manifestaciones, su gente ultrajada, ellos no mandaron a sus soldados a matar a nadie. Pero resulta que hoy, como entonces, no nos dicen toda la verdad , sólo una parte , ¿para no sentirse culpables de codicia y odio irracional? ¿para no ver que somos todos la misma mierda , o el mismo maná divino?

No lo sé, y, hoy, no me importa. Afortunadamente como todas las buenas intenciones no ha durado más que un suspiro, hasta que la ciencia me ha golpeado con su desgarradora y homicida Verdad. A través de un programa del año pasado de ese Espacio Reservado que Punset tiene en las madrugadas de los miércoles

he descubierto algo que ya sospechaba: No somos más que materia inerte con la capacidad de interactuar con el medio ambiente, y que, en definitiva, eso es la vida. Es decir, que no sólo no nos ha creado ningún ser divino, no sólo no tenemos ningún derecho especial con respecto a cualquier otro ser vivo es que no lo tenemos con respecto a la materia inerte. Tan sólo somos portadores de una "energía" primaria e invariable que es capaz de interactuar con el medio y cambiarlo para su propia perpetuación. Entonces, ¿la vida es una propiedad de la materia, como la masa o el volumen? El vídeo aquí ; la entrevista aquí .

Como pararse a pensar todo esto nos llevaría poco menos que al suicidio, no se hizo la miel para la boca del burro, me pongo A3 noticias y me refugio en la ficción, simpre fue más sencillo.

¿Soñarán los androides con ovejas eléctricas?

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"El que se bate en duelo exige satisfacción. El honor es para él un apetito"

Esta historia comienza el año de la llegada al poder de Napoleón , 1800. Un comentario insignificante del Teniente Armand D’Hubert - un Místico Keith Carradine- le convierte en elegido para comunicar su arresto al Teniente Gabriel Feraud - Harvey Keitel en plan Huracán- y sin saber muy bien cómo se encuentra en medio de un duelo que ya le acompañará el resto de su vida, Feraud se siente afrentado y exigirá reparación siempre y en todo lugar mientras uno de los dos siga vivo.

A partir de esta premisa inicial, y basándose en el relato de Joseph Conrad El Duelo -que yo no he leído-, Ridley Scott construye una obra de arte en todos los sentidos. Las películas de Scott tienen un invariable encanto visual heredado del mundo de la publicidad en el que comenzó el Director inglés, y cuando esta especial sensibilidad se ha unido a guiones especialmente atractivos, ya sea por su originalidad, ya por su profundidad, ha conseguido verdaderas obras maestras -Blade Runner o Alien , por poner dos ejemplos más-; aunque, claro, cuando no hay nada más que abuso de lo visual nos encontramos con bodrios infumables.

En Los Duelistas se palpa la -positiva- influencia de Barry Lyndon , no sólo por la época, o las localizaciones; principalmente en la iluminación: la claridad del día siempre rota por oscuras zonas en sombra; desiertos nevados interrumpidos por "manchas" de tierra abrasadora; iluminación de interiores con apenas unas velas y unos fuegos... encuadres de tal belleza que llegan a aturdir

Al igual que en la mencionada Barry Lyndon, son auténticas pinturas, cuadros, de finales del XVIII y ppos del XIX, en movimiento. Ni un solo detalle se deja al azar, todas las partes son esenciales para el impacto conjunto.

La película, además, tiene gran parte de la opresión, e inevitabilidad de los relatos de Conrad , D’Hubert -al igual que Willard en El Corazón de las tinieblas- no puede escapar de su destino-Feraud, cuatro son los duelos que mantendrán a lo largo de su vida, ni siquiera su brillante carrera junto a Napoleón en principio, o Luis XVIII en final, le permiten escapar de su destino. Lo absurdo de las razones que empujaron la bola de nieve, ahora incontrolada, está remarcado a lo largo de la película: D’Hubert se cuestiona y es cuestionado por estas razones, pero llega un momento en que se difuminan y ya nada importan, hay que batirse mientras uno quede en pie.

La primera vez que la ví se me escaparon muchísimas cosas, no entendía la obcecación de Feraud y llegué incluso a aburrirme por momentos, anoche, tres años después, volví a verla y quedé hechizado, no sólo por la belleza estética de la que he hablado. Feraud es nuestro lado oscuro, esa deuda que no terminamos de pagar nunca, recurrente una y otra vez a lo largo de la vida, que no sabemos por qué nos persigue porque no hay razón aparente, pero que no podemos rehuir porque nos intuimos culpables.

La razón es que está en nosotros, que es nosotros, y hasta que no nos enfrentamos a ella, en duelo a muerte, no cejará en su empeño de destruirnos.

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Las películas de  Woody Allen tienen una curiosa capacidad sobre mí, pueden absorberme completamente, de tal suerte que, a veces, me olvido completamente de todos mis condicionamientos previos y me transformo en uno más de los personajes de sus películas (Manhattan) - a la manera de Ebenezer Scrooge claro -; y a veces es tal el grado de estulticia y esnobismo que irradian (Melinda & Melinda) que me paso toda la película rezando en arameo, y acordándome de sus gloriosos antepasados. Quizá sea preciso matizar que ni mucho menos soy un incondicional del director, ni tan siquiera he visto la mayoría de sus películas.
 
Match Point, la última del Snob, tiene todo lo anterior, con alguna diferencia significativa. Aún a riesgo de contagiarnos por lo visto diremos que estas diferencias suponen un avance cualitativo importante en los aspectos claves de las películas de Allen –que no tiene por qué significar un salto cualitativo importante en la película- La sociedad que retrata: de la clase “intelectual” Neoyorquina a la Alta Sociedad Inglesa; de Manhattan al Londres neo-victoriano; del Jazz a la Ópera; y, de unos protagonistas a veces incluso guapos,  al paraíso hecho carne.
 
Dos personajes sobresalen especialmente por encima incluso de la película, y que de no tener la losa que supone la veneración injustificada de la que goza Woody Allen, podrían pasar por méritos propios al imaginario cinematográfico colectivo.
Chris Wilton, es posiblemente el personaje más despreciable que he visto en una película -supera a Ripley- desde la colección de abominaciones que justificaba el abyecto engendro de Todd Slondz.  Un personaje sin remordimientos, lo único que le preocupa es él mismo, y lo que le pueda pasar. Pero es un ángel, un efebo que pide pollo asado mientras sus nuevos amigos se deleitan con trufas o caviar. Incluso tras el hecho consumado es difícil no sentir cierta simpatía por él. Además nació con suerte, y como nos es recordado al comienzo de la película, sin suerte no se puede llegar a lo más alto.

Y luego, ella

una criatura celestial, una hurí del eden, una diosa sin parangón, necesito respirar profundamente cada vez que la veo, ¿será real?  

Etiquetas: Allen, Match_Point

Para mí el paradigma, la quintaesencia, allí donde se debería ir antes de recorrer cualquier camino en este sentido, es la versión de With a Little Help from My Friends de Joe Cocker. Coger un material ya pensado, una historia ya contada, un tema ya expuesto, y hacerlo tuyo, personal e indentificable.

Nueve Reinas (2000) no es un remake de El Golpe, sería tan estúpido como hacer un remake de Psicosis, pero sí tiene su ritmo y su temática, su estructura y su doble pirueta con tirabuzones, amén de innumerables guiños y homenajes. Tiene la vieja historia del ladrón bueno, que busca sus cien años de perdón en un mundo que le ha fallado ( Juan-Gastón Pauls). Tiene al viejo maestro de vuelta de demasiadas cosas, capaz de mostrarle "todos los secretos de este arte" y que ansía encontrar a alguien a quien dejar su legado ( Marcos-Ricardo Darín ) -Y ambos se encuentran con el mayor golpe imaginable al alcance de la mano- Tiene un montaje inteligente, huye del aburrimiento, y te deja conocer lo que el director quiere que sepas, nada más.

Hasta aquí algunas de las semejanzas, pero es que Bielinsky hace de Joe Cocker y se lo lleva a su terreno. Nueve Reinas actualiza el tema y lo sitúa en la Argentina de finales de los noventa. El guapo ahora cambia de arma, es un tipo bueno, que cae bien. El "maestro" no sólo es oscuro, es abiertamente indeseable -su codicia no respeta ni a su hermano pequeño-, ha hecho del timo su vida, no es capaz ni de pagar el periódico -"¿para que pagar si puedes no pagar?" Aún así es un tipo simpático. El golpe se hará vendiendo sellos a un tiburón español, pero no hay tiempo para una gran preparación, tiene que ser ya, antes de mañana.

Entonces Juan y Marcos sacan todas sus armas de embaucadores profesionales  y todo su talento como actores, y atisbamos una Argentina desecha por las crisis económicas -carteles de Liquidación por todas partes, un banco que quiebra-, donde impera la ley del "más vivo", donde no puedes fiarte de tu sombra porque será la primera en intentar engañarte, donde aún así hay sitio para el optimismo. Si en la película de Roy Hill la famosa melodía te llevaba a través la película aquí es "ese tema de Rita Pavone". Aquí los timados son siempre los más débiles -aunque el golpe principal sea a un pez gordo gallego-, viejecitas, cajeras de gasolinera. Aquí no hay vencedores. 

Además si todo esto no convence, siempre puedo excusarme en que la ví en las últimas filas del Granada 10, en buena compañía.

Ni siquiera Pérez-Rubalcaba asegurándome entre risas que no todo está perdido en la Liga consigue levantarme el ánimo en estos días de frío polar y Estatut, y para mi desgracia la doctora Melfi no está disponible para verle las piernas

o en su defecto contarle mis penas.

Me dedico a dejar de pensar y ver la tele.

Pero, ¿qué me encuentro una y otra vez? Como en una terrible pesadilla,intento cambiar de canal, pero sigue ahí,"Informativos telecinco ha tenido acceso a una exclusiva, unos obreros de la construcción ante la ola de frío han decidido hacer una hoguera y... ¡calentarse las manos!" En estado de shock intento salir de la habitación y conecto la radio, pero sigue repitiéndose "¿El tiempo en Andalucía, Javier?" y Javier:"Granada menos cuatro grados", ¡No puede ser cierto! Salgo a la calle y la amable panadera "¡Vaya tiempo, eh! y parece que va a seguir lloviendo!" La cabeza me da vueltas, salgo sin rumbo fijo y encamino mis pasos hacia ninguna parte, me pregunto como podré sobrevivir a esta situación, muy a mi pesar un razonamiento va tomando consistencia en mi cabeza: ¿Cuando no hay nada que decir y te encuentras en la necesidad de decir algo, de qué se habla?, me resisto pero ahí sigue, tozudo, ¿será posible que no haya nada de lo que hablar?, en el último segundo me reconcilio conmigo y con la nunca suficientemente elogiada televisión.

Bendito tiempo que nos evita escuchar a los que nada interesante tienen que decir.

Ya ven, en el comienzo de una noche insomne, esperando a Raúl Alda y compañía, escribiendo, navegando. De fondo Apocalypse Now, bien Gasset, aunque Redux y quitando la visita a los franceses, sigue oprimiéndome, Kurtz-Brando me volverá a perseguir durante la vigilia de mis sueños, y, como el Capitán Willard volveré a preguntarme por la esencia humana...sin encontrar respuesta satisfactoria.

El caso es que en uno de los cortes publiciarios he visto que Jesús Quintero va a ser la próxima apuesta de TVE, no me ha sorprendido, creí que lo haría mucho antes, digamos... un año y medio. Como tengo la mirada sucia automáticamente me he dicho que este es un nuevo pago por los servicios prestados a la causa progresista, además el toque folclórico, la especial mirada a los excluidos, el intelectualismo de salón, la idolatría que le profesa la Andalucía de la Tercera Modernización y por supuesto los silencios, ¡Qué silencios! lo convertían en el candidato ideal.

Aún habiendo sido una especie de mito para mí durante los primeros años en Sevilla nunca profundicé en su vida, nunca me ha interesado en demasía esa parte de la creación intelectual, ¡qué fastidio saber que ese escritor que tanto amamos, o ese actor que nos encandila, tiene vida propia y comete grandes errores!. Dicen que tuvo grandes problemas trás el éxito, tal vez no lo supo digerir. El caso es que entró sin hacer ruido por la puerta de atrás del Canal 2 Andalucía, los Lunes por la noche, y me enseñó un mundo que me encandiló, ocho o diez cintas de vídeo con las grabaciones lo atestiguan, ¡se podía hablar en televisión!, es más, ¡se podían decir cosas inteligentes! Mi primera experiencia con Escohotado data de aquellas fechas; memorable entrevista en dos capítulos a Mario Conde; paseo por el alma del Dioni; cara a cara con la sabiduría popular de manos de Juan de Tarifa; la vanguardia de la filosofía española con José Antonio Marina; la pureza del amor entre Don Juan y Dolores Abril; flamenquito en directo...; y esos deliciosos escarceos con outsiders de toda raza y condición

Era sincera admiración lo que sentía, luego se convirtió en un hombre. El boca a boca empujó la audiencia hasta límites insostenibles así que la Fama volvió a llamar a su puerta, consideró que al calor de los poderosos se volvía a encontrar a gusto y le pusieron un lecho de rosas en Canal Sur, me desenamoré. No conseguí encontrarle el punto a tanto freak, a veces incluso llegaba a pensar que no respetaba a los invitados, que los utilizaba a mayor gloria personal. Dejé de verlo, me olvidé de él, de cuando en cuando me vuelve el gusanillo de aquellas cintas -añorado VHS, definitivamente debería conseguir un video antes de que se extingan- y las tomo a pequeños sorbos para evitar gastarlas.

Es una lástima que se haya dejado arrastrar por los cantos de sirena de la progresía en el poder, lo van a exprimir, apenas dejarán piel y huesos, lo más probable es que la maldición de la Caffarell se cebe también con él, en el mejor de los casos morirá de éxito

En esta nueva andadura ha optado por el nombre que le hizo famoso, The Fool on the Hill, no está mal, deseo sinceramente que haga un buen programa, de él depende, aunque viendo en lo que se ha convertido no crean que tengo demasiada esperanza, en el caso de que lo consiga seré el primero en alabarlo.

Etiquetas: Jesus, Quintero, TVE

Muy bonito... muy bonito...

Pero fíjate que  no vas a poder tocar más esa pie-ce-ci-taaa,

¡Qué te parece!

¡Que está prohibida por atentar contra los principios de la democracia de este país!

¡Y porque no me gusta...vaya!

¡a mí, Representante del gobierno con distinción ante el General Machado! vaya...qué te parece!

¿Yo no te conozco a ti de alguna parte..., rubio?

Vampiros en la Habana de Juan Padrón

Me entero a través de Blog de cine , que el próximo 26 de diciembre se emitirá el último programa de ¡Qué Grande es el Cine! ese programa absolutamente freak qué me abrió las puertas al Universo del cine y me hizo ver, escuchar, sentir y pensar las películas. Aún recuerdo aquella fría noche que conseguí quitarle la televisión a mi hermano para meterla en mi cuarto y parapetado tras dos mantas y un edredón escuché por primera vez aquella voz destrozada por el tabaco. También en aquella noche me fue presentado el que luego se convertiría en una de los personajes públicos más respetados y escuchados -que no oídos- por mí, Eduardo Torres Dulce. Siempre recordaré lo que dijo a propósito de la última película de un director cuya ópera prima le había fascinado pero cuyo segundo intento había sido poco menos que una decepción: " Voy a volver a ver la película porque no me puedo creer que sea tan pobre, es posible que yo no me encontrará en disposición adecuada para verla y es de justicia darle una segunda oportunidad" Me quito el sombrero. Supongo que aquella primera película que vi, La Loba de William Wyler, también contribuyó, pero eso no es más que otro mérito de Garci, aún recuerdo a la perversa Bette Davis en lo alto de esa majestuosa escalera, escrutando el alma del espectador a través de aquellos profundos ojos.

Se le ha criticado mucho, no sólo por su profesión , si no por sus mujeres, ¡ah, a veces pienso que lo mío son celos!, o, lo que es peor por sospechas políticas, no en vano tiene un programa en la denostada Cadena Cope (Cowboys de Medianoche).

En lo que se refiere a su programa las críticas han llegado por diversos frentes, el primero, y yo diría que en cierta manera fundado, es que acusan al programa de ser ciertamente aburrido -por usar un eufemismo- y que sólo freaks de mi talla pueden soportarlo, concedido, pero digamos en favor de Garci que la tertulia es a la una de la madrugada y si 500.000 personas ven la película se pueden imaginar cuantas ven la tertulia; el segundo es que sacándolos de películas de la época de los Hermanos Lumière no tienen ni idea de lo que hablan, es cierto que cuando proyectaron Memento estaban claramente superados por las circunstancias -a excepción de Oti Rdguez Marchante- pero no me pareció lo mismo con Blade Runner, El Padrino III o Las Vírgenes Suicidas, y si vamos a los setenta ya vuelven a estar como pez en el agua; la tercera es que no lleva a mujeres, lo he oído, bueno antenoche estaba Nativel Preciado.

En cuanto a sus películas no puedo hablar mucho porque sólo he visto Volver a Empezar , me pareció una buena película, tranquila, va fluyendo lentamente con armonía y ternura.

El caso es que se nos va, al parecer la cosa es consensuada pero yo no puedo evitar quedarme con la mosca detrás de la oreja. ¿Ahora qué? Es la pregunta que me hago, porque como sigan poniéndonos películas progres estilo Off Cinema - Gasset, Gasset, cómo se nota que lo único que haces en Días de Cine es poner cara, voz e introducciones, que no es poco- estamos aviados y me temo lo peor porque después de cargarse al inmarcesible Fernando Sánchez Dragó y su magnífico Negro Sobre Blanco, para pagar con un programa al progre de turno, que hace con la literatura lo que la LOE con la educación, Estravagario se llama el engendro y Rioyo el presentador, decía que me temo lo peor.

En fin, por ahora, y no sabemos hasta cuando, tendremos que conformarnos con Cowboys de Medianoche, los viernes a la una de la madrugada en la cadena Cope.

Etiquetas: Garci, Cine

Lo primero que quiero decir es que la película me ha gustado mucho, es más, me ha gustado mucho. Fernando Meirelles me sorprendió, a mí y a todo aquel que vio Ciudad de Dios , muy gratamente con la película que le permitió rodar en Hollywood en la que nos contaba, a ritmo frenético, cómo las favelas de Río son gobernadas al modo de la isla que imaginó Golding.

En esta película -decir que el título en inglés dice mucho más que en español The Constant Gardener, aunque yo tampoco sé como traducirlo-, Meirelles nos cuenta una trágica historia de amor, con un trasfondo aún más trágico: África.

La película empieza con la muerte de Tessa - Rachel Weisz -, una joven idealista y pasional, alocada y comprometida, que siente de tal manera la tragedia del Continente Olvidado que la hace suya. La primera hora de la película está llena de saltos en el tiempo con el propósito de descubrirnos a los protagonista y las relaciones entre ellos. Cómo se conocen, cómo se enamoran - me parece un completo acierto el que el amor mutuo esté basado en los pequeños instantes: la bañera, las plantas... ni tan siquiera llegan a saber qué es lo que hacen uno y otro exactamente pero no lo necesitan, él es el paciente jardinero que ve crecer las plantas y ella es la tormenta que se ocupa de regar y dar sentido a la labor del jardinero-, quién son, qué papel juegan.
Cuando Justin -para mí magnífico como siempre Ralph Fiennes, dando la medida justa de un hombre tranquilo y de un hombre decidido - va a la morgue a reconocer el cadáver de su joven esposa empieza otra película, sin saber muy bien cómo, a través de una pequeña caja de recuerdos, va descubriendo que su esposa era mucho más de lo que aparentaba, que sus amigos sólo son supuestos, que no la habían asesinado simples guerrilleros y  que su lucha merecía ser llevada hasta el final.

El otro atractivo de la película está en la lucha de Tessa. Junto a un médico keniata descubre que se está probando en humanos un nuevo medicamento para la tuberculosis, sin el consentimiento de los pacientes, mediante chantaje -sólo se tiene derecho a cierta medicación gratuita si se consiente en tomar esta nueva droga-. Además descubre que este compuesto es potencialmente mortal y que por mero interés mercantilista no dan marcha atrás en sus ensayos -como siempre la idea que se extrae, aunque no es explícito seamos justos, es que el maldito capitalismo es el culpable, pero los únicos culpables son los dirigentes keniatas y, en este caso, los diplomáticos ingleses, es decir, las personas-.

El gran acierto del director - dice: "La oportunidad de denunciar a la industria farmacéutica fue uno de los tres elementos que me convenció para dirigir "El jardinero fiel". Otra fue la posibilidad, la elección, de rodar en Kenya. Además, es una historia de amor muy original; la de un hombre que se casa con una mujer más joven que él y no se enamora realmente hasta que ella muere y decide indagar en su vida. Es una historia preciosa, con un toque existencialista"- está en no caer en la sensiblería y en mostrar una bella historia de amor, un atractivo thriller y una denuncia- en la película hay un momento en que Tessa le pide a Justin que lleve a un niño en coche hasta su poblado a más de 40 km de distancia, Justin le responde que es imposible ayudar a todo el mundo y que sería un agravio comparativo porque todos necesitan ayuda y, a todos no se les puede ayudar; casi al final de la película Justin quiere montar en un avión, sólo para voluntarios internacionales, a una niña que de otra manera no le queda más que la muerte y el piloto se lo impide con el mismo argumento que él utilizó con su mujer- de la mayor ignominia de nuestro tiempo, no me refiero a lo de las farmacéuticas, eso es una anécdota, es lo que estamos haciendo con África, nosotros y nuestros lavados de conciencia que lo único que consiguen es ahondar en la herida.

Cuando terminó la película y aún ahora, no sé muy bien qué pensar del hecho de que no me sienta indignado -estoy hablando en relación a la película- por lo que hacen con las personas, sino por lo que las otras personas somos capaces de hacer.

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Después de seis años, creo que van por la quinta temporada, y sólo gracias a las ventajas sin par de la red de redes por fin tengo a mi disposición la primera temporada de la genial, ácida, inteligente y priápica serie Los Soprano. Es otra de las fabulosas series americanas que nos es escamoteada en España para poder idiotizarnos con Aquí no hay quién aguante, La abuela progre y pasionaria, Los hombres de no sé quién, Motivos ..etc, esto por el lado castizo pero no menos idiotizantes son los CSI, Frijolitos y demás rollos de allende los mares, y, bueno, para qué hablar de las series estrella de la televisión autonómica, tanto allí como aquí .

En la 2 no se contentan con no emitir la mayoría de estas grandísimas series si no que las pocas que dejan las emiten a las mil de la mañana, o, ¡para mayor escarnio! desconectan aquí para poner el programa del apesebrado de turno.

A lo que iba, que acabo de descubrir una de esas series que merecen pasar al recuerdo y a la filmoteca . Ya el argumento es de lo más original, un Capo Mafioso -sin palabras la interpretación de James Gandolfini -, padre de familia, con una -o varias- amantes, con una madre froidiana, respetado por su gente, temido por sus enemigos, pero con los problemas de cualquier Padre de clase media alta americano, sufre un desfallecimiento por culpa del estrés y decide -eso sí, sin que nadie se entere pues Me meterían una bala por el culo- acudir al psiquiatra. Ahí empieza la historia, contada a través de las medias verdades, verdades enteras y sentimientos íntimos que Toni Soprano desgrana ante su psiquiatra y a través de los cuales nos muestra el día a día de un hombre que se enfrenta al mundo con la única ayuda de su familia, un mundo cruel, difícil, que siempre nos está poniendo a prueba y por el que sólo deseamos pasar de la manera más digna posible, tanto por nosotros como por los nuestros.

Vemos a un hombre poderoso pero vulnerable, asaltado por los problemas más mundanos, una madre que le hace la vida imposible por llevarla a una Residencia (¿o geriátrico?), un tío cascarrabias al que no sabe si quiere u odia, una hija adolescente y por hijo un preadolescente mimado, una mujer que se siente desplazada, un sobrino que no piensa en las consecuencias de sus actos, una amante que se siente como un coño, el cáncer que se lleva a un amigo, disfunción eréctil... y el prozac .

Vemos como la Mafia se adapta a los tiempos intentando mantener las tradiciones, vemos como hombres íntegros -más o menos buenos- luchan por mantener su integridad en un tiempo en que no se respeta ni la sagrada Omertá, en un tiempo en que los valores se difuminan en un tiempo en el que la mayoría nos encontramos perdidos.

Una auténtica joya, a la altura de El Padrino , que demuestra, a los que somos un poco apocalípticos, que el genio fluye por el mundo y que, buscando, podemos encontrar perlas con las que disfrutar, con las que pensar.

Etiquetas: Sopranos, HBO, Series, Mafia

Novia cadáver es la última película de ese genio llamado Tim Burton, después de alguna decepción y de alguna decepción a medias , ha vuelto a lo grande con una película en la que vuelve a enseñarnos la riqueza de su mundo interior y a abrirnos las puertas de su universo gótico para contarnos un cuento de hadas en el que el infierno es una fiesta continua en que los pecados eternos, al ser aceptados, se convierten en la seña de identidad de cada uno y les individualiza. En contraposición el mundo de los vivos es gris, triste, represor y monocorde, en el que los malos son los padres y el predicador, éste es para mí el único pego de la película, en los malos no hay dualidad, son muy malos y no tienen posibilidad de redención, pero esto tal vez sólo sea buscarle los tres pies al gato, porque se trata de un cuento, de un cuento infantil, plagado de guiños al espectador crecido, eso sí.

Burton nos viene a decir en esta película : "Tranquilos que he vuelto, sí, soy algo más viejo y algo menos independiente, pero todavía tengo mucho dentro" Para ello se sirve de una técnica en desuso en la animación, y que él utiliza de manera magistral, el efcto que provoca es difícilmente explicable, quizá el sonido de un disco en vinilo, o el olor de un libro en el que el tiempo y la humedad dejaron su rastro expliquen mejor que las palabras a lo que me refiero.

Y así nos cuenta la historia de un trío amoroso y necrófilo y de la búsqueda de un sitio en la vida, a mí, como al protagonista Víctor, también me costaría decidirme entre un mundo de color con personajes incríbles- en el que todo el mundo es aceptado por sus "rarezas" y no a pesar de,- y un mundo gris y estancado, hipócrita y rutinario pero seguro y conocido. Lo más probable es que, como Víctor nos decidamos por la alegría, aunque todo esto quizá sea darle demasiadas vueltas.

Por lo demás la película es fresca e ingeniosa, novedosa, cuidada hasta el último detalle, arriesgada, llena de homenajes...en definitiva una película que no se debe dejar pasar.