The Alchemist

Lo intenté todo para convencer a alguien de que viniera a verla conmigo, hasta le guiñé un ojo a Esther -¡prefirió champán y ostras con un desconocido!-, así que no quedó otra salida que bajarla en un pésimo screener que se escucha aún peor -cualquier sacrificio es poco-.

John Rambo es un alegato en favor de la libertad de hacer cine, ese cine con el que tantos crecimos y que tan mala prensa tiene hoy, ese cine, en fin, que apelando a los clásicos del genero se construye para el espectador actual, hablando en su lenguaje, excitando sus pasiones -y en esta se excitan todas, también las 'altas'-.
El boina verde John Rambo es un Frankenstein de laboratorio militar, una máquina de matar que enviamos a hacernos el trabajo sucio: cargar con la culpa de nuestras hipocresías, de nuestra doble moral (recuérdenlo llorando al final de Acorralado: "Cuando regresé de Vietnam en el aeropuerto esos gusanos me gritaban ¡Asesino de niños! ¿quiénes son ellos? ¡No estuvieron allí, luchando como yo! tenía equipo que valía millones de dólaes y aquí ni siquiera me dan trabajo ni de lavacoches"), es parte de las cañerías. Unos dirán que el problema, otros que la solución pero él también tiene su corazoncito, atormentado por lo que le han hecho, o lo que es.

En esta ocasión se presenta retirado en Birmania o tal vez Tailandia. Cazando cobras para espectáculos turísticos hasta que unos misioneros cargados de medicinas y buenas intenciones le piden ayuda para llevarlos al corazón de las tinieblas; allí se encuentran con la brutalidad y la muerte de los señores de la guerra, con el sadismo y la sangre por toda respuesta.

El buenismo que asola el pensamiento occidental y sobre el que se apoyan tantos regímenes represores, encuentra en esta parodia justa respuesta en forma de miembros amputados, cuellos rebanados y orgía de sangre. Para entrar en la historia, para ser parte de ella, para ser humano hay que ensuciarse las manos .
Y eso es algo que a Sly, simplemente le encanta.

Etiquetas: Rambo

Etiquetas: Tomate, Telecinco

STALLONE: ROCKY Y RAMBO

Abordemos hoy un tema pueril, sin importancia, que precisamente por ello, al final puede que sí que la tenga. Rocky y Rambo dos mitos de nuestra infancia, dos anatemas para la intelectualidad. Ahí está el Sr. Stallone presentado en el Santiago Bernabeu la nueva entrega de Rambo, que se estrena el próximo día 1 de febrero en España. Que quieren que les diga yo he pasado grandes momentos con estos dos tipos, y algunas de sus enseñanzas (sí, enseñanzas) se han quedado grabadas a fuego en mi código genético. El optimismo, la capacidad de superación, creer en uno mismo, superar las adversidades, perseguir los sueños, luchar, caer y levantarse, me parecen valores muy reivindicables. Que sí, que ya lo se, que son violentos, pero es que en la vida, a veces, hay que pegar una buena ostia, aunque sea contra el viento y en sentido figurado.

Yo, en la última película de Rocky, la que estrenaron el año pasado, tuve que contener las lágrimas de emoción, pues se removió todo lo que de niño queda en mí. Recuerdo que al salir del cine, solo, me encontré con un gran profesor de derecho, de mis años universitarios, un hombre ya de edad venerable acompañado por su mujer. Se le veía feliz y pensé no debo de estar tan equivocado. Aunque eso si, siempre habrá quién preferirá dejarse manejar por los teólogos del izquierdismo bienpensante de turno, y tapados hasta las orejas de prejuicios, con una buena venda en los ojos, jamás se acercarán a comprender de qué va todo esto. Serán los mismos que luego se harán los modernillos y reivindicarán a Tarantino, por la destilación irónica de la violencia en sus películas.

Así que, amigos, nos vemos el mismo día del estreno, el día 1 de febrero, en cualquier cine, porque aunque la película sea mala, por un momento volveremos a ser niños, sonreír y cantar por las calles de Philadelphia.

Gerardo de Lucas Abril

Pues seguramente nada...

De sobra es conocido por las cuatro admiradoras que aún me soportan que en este rincón catódico profesamos especial devoción por el Western pero, sobre todo, por algunas de sus legendarias figuras y alguno de sus títulos más emblemáticos.
Género esencial en la consolidación del cine como fenómeno de masas así como en la creación de un imaginario colectivo fundamental para la afirmación de una nación aparentemente tan heterogénea como los Estados Unidos, lleva ya varias décadas en las que, al ser casi imposible añadir nada nuevo a lo ya dicho sólo los mejores, o los más osados se atrevían a asomarse.

Andrew Dominic -que con esta película ya está entre los mejores- toma el plano final de Centauros del Desierto para relatarnos sin prisa, con aparente calma la historia del más famoso forajido del Oeste, pero, más allá, la del mayor cobarde en la cultura popular americana.

Cuenta la progresiva desintegración de una leyenda en vida y el ascenso, deslumbrante y efímero, de un idólatra forzosamente mediocre; cuenta cómo la paranoia y la monomanía vencen a un hombre excepcional y lo hace contraponiendo la inevitable extinción de James a la creciente y humana mezcla de envidia y veneración de Robert Ford.

Los hermanos James alcanzaron tal nivel de notoriedad probablemente por ser los primeros ladrones de bancos a gran escala tras la guerra civil americana (1861-1865). Es por esto que la historia del asesinato de Jesse a manos de los hermanos Ford mientras aquel limpiaba -o cambiaba o miraba o ...- una fotografía en el salón de su casa es parte sobradamente conocida de los mitos del Far West, quizá por eso el título adelante deliberadamente no sólo la historia que vamos a presenciar sino también su moraleja: Assassination es poco menos que un magnicidio; y quien lo lleva a cabo no puede ser más que un cobarde que pagará por su infame acto.

Las más de dos horas y media de película en ningún momento se hacen pesadas porque la historia que relata; la fotografía y la música con la que se describe; la calma tensa que desprende cada secuencia; la belleza mínimalista de los paisajes y, por encima de todo, el trabajo de los actores -secundarios como Sam Sephard o Sam Rockwell, o los principales: Brad Pitt interpretando a ese tipo de personaje que le va perfecto y, por encima de todos, un Casey Affleck (tomen buena nota) sencillamente genial- hacen de esta película otra encarecida recomendación.

En el blog del Sr Smith, hay un comentarista habitual, Albert el Mapuche , que el otro día nos recordaba uno de los mejores discursos de Pacino.

Es 'Un Domingo Cualquiera' de Oliver Stone.

I don’t know what to say, really. Three minutes till the biggest battle of our professional lives all comes down to today. Now either we heal as a team or we’re gonna crumble, inch by inch, play by play, 'til we’re finished.

We’re in hell right now, gentlemen, believe me. And, we can stay here -- get the shit kicked out of us -- or we can fight our way back into the light. We can climb outta hell one inch at a time.

Now, I can’t do it for you. I’m too old. I look around. I see these young faces, and I think -- I mean -- I made every wrong choice a middle-aged man can make. I, uh, I pissed away all my money, believe it or not. I chased off anyone who’s ever loved me. And lately, I can’t even stand the face I see in the mirror.

You know, when you get old in life things get taken from you. I mean that's...part of life. But, you only learn that when you start losing stuff. You find out life’s this game of inches. So is football. Because in either game, life or football, the margin for error is so small -- I mean one-half a step too late, or too early, and you don’t quite make it. One-half second too slow, too fast, you don’t quite catch it.

The inches we need are everywhere around us.

They’re in every break of the game, every minute, every second.

On this team, we fight for that inch. On this team, we tear ourselves and everyone else around us to pieces for that inch. We claw with our fingernails for that inch, because we know when we add up all those inches that’s gonna make the fuckin' difference between winning and losing! Between livin' and dyin'!

I’ll tell you this: In any fight, it’s the guy who’s willing to die who’s gonna win that inch. And I know if I’m gonna have any life anymore, it’s because I’m still willin' to fight and die for that inch. Because that’s what livin' is! The six inches in front of your face!!

Now I can’t make you do it. You got to look at the guy next to you. Look into his eyes! Now I think you’re gonna see a guy who will go that inch with you. You're gonna see a guy who will sacrifice himself for this team because he knows, when it comes down to it, you’re gonna do the same for him!

That’s a team, gentleman!

And, either we heal, now, as a team, or we will die as individuals.

That’s football guys.

That's all it is.

Now, what are you gonna do?

Etiquetas: Pacino, Oliver, Stone, Any, Given, Sunday

Comentábamos con Mar a la salida del Icària que hay tres o cuatro directores que te garantizan la sensación de haber visto una buena película -si más no, sí que no has malgastado tu dinero-: yo, pontificaba citando a Eastwood -ya saben-, Scorsese -no se pierdan Bringin' Out the Dead- y Quentin Tarantino. Ella añadió a los Coen. Hay trato.
El navegante ocioso ya sabe que Death Proof es el homenaje de Tarantino a las películas de serie Z, películas que, según cuentan, devoraba -con gusto(!!)-  en uno de esos videoclubs en que se incubaba la generación que haría al Cine Independiente lo que Lucas y Spielberg a Hollywood.

Los 'Grindhouses' fueron muy populares en los '70. Eran cines, a menudo al aire libre, en los que pasaban películas de serie B de muy bajo presupuesto y altas dosis de tías macizas y sangre. Las películas que compraban salían tan baratas que eran proyectadas una y otra vez hasta el punto de rallarse o, incluso, quemarse por lo que podían llegar a perderse escenas completas -así que no se preocupen cuando vean que algo no les cuadra-. No importaba, nadie en su sano juicio buscaba un argumento que seguir o una historia coherente.

Aquí es donde Tarantino aparece. Combinando la estética visual de este tipo de películas, incluida la sensación de trasladar la acción a los años 70 tanto por las localizaciones -si hay un sitio donde no pase el tiempo debe ser Líbano, Tennessee- como por el vestuario o los decorados-, con la más absoluta ausencia de argumento  y un buen chorreón de sus sueños más húmedos.

Apuesto a que recuerdan los pies descalzos de Mia Wallace mientras bailaba con Vincent Vega ese 'Quién lo iba a suponer' de Chuck Berry; o qué me dicen de la pedicura de Briget Fonda en casa de ese negro 'muddafucker'; o cómo empezaban a moverse los dedos de los pies de 'La Novia' en Kill Bill. Pues todas estas escenas juntas son pocas en comparación con el onanismo podal de 'Death Proof'.
La película está divida en dos partes, que bien podrían ser tres porque los últimos 15 minutos son algo completamente diferente a todo lo anterior, y -pies aparte- contiene todos los elementos del particular universo del director:
 - Los diálogos ácidos, ágiles, aparentemente descarados aquí son entre chicas fatales, comehombres liberadas que imponen su ley. Cierto es que, a veces, pueden hacerse algo pesados
 - La ex-estrella desaparecida con alguna película de culto en vídeo. Aunque Kurt Russell no sea Pam Grier, ni siquiera Travolta, tiene un nombre perfecto: 'Stunt man' Mike, y tiene ese punto mórbido que tan bien hace a cualquier malo que se precie.
 - El vouyerismo en la muerte violenta...
 - Una Banda Sonora como sólo él es capaz de hacer. No se pierdan los créditos finales.

En definitiva Tarantino en estado puro: un niño mimado y genial que quiere divertirse y nos divierte colándonos infinidad de engaños 'piadosos' para hacernos creer que no estamos viendo lo que estamos viendo.

Esta escena se 'perdió' en la versión americana...

Etiquetas: Tarantino, Dath, Proof

A las habituales de este foro no se les escapa que las musas deben estar por fin haciendo algo útil y finalmente han cambiado mi geranio por alguna otra pluma más rentable y provechosa. En su lugar, un coro de bacantes canta al hedonismo y la holganza y a dejar de preocuparse por el mundo y sus monarquías - todo sigue dando más asco que ayer pero menos que mañana-; además Toni Soprano ha vuelto a nuestras vidas y lo ha hecho más maduro, algo más reflexivo, dispuesto a seguir los consejos de Epicuro, sin olvidar a Sun Tzu, claro, y como votante reconocido de la administración Bush -aunque he de admitir que no es más que una ironía de los titiriteros yanquis ya que nunca en las 5 temporadas anteriores la política había impregnado tanto las tramas-, es decir, sigue siendo tan jodidamente envidiable como el primer día.

Salgo del letargo -ya ven, se pierden hasta las buenas costumbres dominicales, prometo resarcimiento-, no sólo para prevenirles, estimadas admiradoras, de la simpar política de intoxicación que lidera Rodríguez; ni para advertirles de que no permitan que la esquizofrenia se convierta en una opción vital: ya son muchos –este “los y las maestros” me ha llegado al alma-, demasiados; si no para recomendarles un paseo reflexivo por los 92 minutos de Last Days: la excusa son los últimos días de Kurt Kobain, el argumento es la introspección de un ser humano mirando los abismos de su alma, la firma es de Van Sant.
La primera canción, a los 45 minutos: una guitarra desgarrada en un interminable lamento romántico y una percusión aparentemente caótica filmadas en un primer plano… del exterior de la casa donde se suicidó.
Van Sant, afortunadamente no es Moore, por eso a la hora de decidir si el dinero es para el inmenso megalómano que ha conseguido meter Bowling for Columbine en el libro de texto de EdC o para la mirada serena y reflexiva del responsable de Elephant, piensen en su salud mental y en la de sus hijos.

Etiquetas: Last, Days, Van, Sant, Soprano, Educacion, Ciudadania

Alentado por la alquimia natural del insigne propietario de este espacio, me dispongo a escurrir unas letras por el alambique con la última experiencia laboral que me ha tocado desarrollar.

Hace casi dos meses comencé a trabajar en la organización de un festival de cine, denominado Cines del Sur, que se ha celebrado en Granada desde el 9 al 17 de junio. Las labores del staff organizativo comenzaron varios meses atrás, pero ha sido en estos dos últimos meses cuando se ha puesto toda la carne en el asador y cuando, por suerte, me ha tocado a mí entrar a currar. Mis labores dentro del festival se centraban en la búsqueda de patrocinadores, la logística de vehículos y la captación y coordinación de un grupo de voluntarios, pero como de natural no puedo decir “no” a nadie, me he visto involucrado en mil y un fregaos, muchos de los cuales ni me iban ni me venían, pero que me han servido para crecer profesional y personalmente.

El evento nació apoyado y subvencionado en su casi totalidad por la Junta de Andalucía, y sin duda me he puesto al día en el funcionamiento del gobierno andaluz en lo tocante a eventos culturales, supongo que extensible a otros ámbitos.

El caso es que este festival nació con la idea de erigirse en el estandarte-altavoz de aquellos cines del sur geopolítico olvidados por las grandes distribuidoras e industrias cinematográficas (centradas en el rodillo del dólar), a la vez que relanzar a Granada como un lugar de encuentro, convivencia y diálogo de culturas. El concepto de festival, asociado a nuestra pequeña y encantadora ciudad, me parece magnífico, sólo que una vez dentro de la organización me he dado cuenta de que los tiros iban por otro lado. En concreto, por el terreno de la apariencia y el tanto a mi favor. He de decir que dentro del personal de la organización la cinefilia abundaba, pero cuando escalabas en la jerarquía y llegabas a tocar el ámbito, establo o corral (con mis respetos a caballos, gallinas, conejos y demás animales de granja, faltaría más) de los políticos, la peste olía demasiado perfumada. Y eso no cuadra.

Preguntando, escuchando, observando y curioseando, he confirmado que los políticos sólo creen en el éxito de eventos de este tipo si el dossier de prensa que resulta a posteriori es gordo como el libro de Petete; que se la suda que por las calles y cines de Granada se proyecte cine coreano, turco, americano, senegalés o iraní, siempre y cuando con esta iniciativa se joda al Festival de Málaga que está subvencionado por el ayuntamiento de la ciudad, que es PP; que les encanta apoyar una cosa tan vistosa y multicultural en donde el diálogo abunda de cara a la galería, porque la gente si hablaba de algo era de cine, no de arreglar el mundo, y si alguien hablaba de esto, era a altas horas de la mañana, con la embriaguez pertinente y sin peste a político alrededor; y por último, les encanta subvencionar estas cosas tan solidarias y en aras de mejorar la situación de los pobres del mundo…alojando a los invitados en hoteles de 5 y 4 estrellas, gastando el dinero público en excesos y alhajas varias. Hasta a la prensa se le ha pagado viaje, alojamiento, comida, taxis, y casi las putas. Es lo que tiene querer ser el baluarte de un cine del tercer mundo, pero cuyo objetivo real es salir guapo/a en la foto. Eso vale una pasta, concretamente casi un millón de euros.

En fin, que me lo he pasado genial con este trabajo, más allá de la “politirquería” (acuño el neologismo) gracias a mis compañeros de trabajo y a mi grupo de voluntarios/as, gente despierta, viva, joven, hedonista y maravillosa, con ganas de hacer las cosas bien, y cuya motivación iba más allá del dinero, la apariencia o el gusto por la opulencia.

Autor: ja

Etiquetas: Cines, Sur, Granada

Como no sólo de pan vive el hombre -y visto que TODOS pensamos en clave electoral- voy a recoger el guante lanzado al aire en fading  -ahí la llevas, bailala (si quieres)- para cambiar el tercio. 
Como comprenderan esto de mantener un ritmo alto de publicación sin repetirse demasiado no es fácil así que voy a poner aquí mi trailer favorito -he de reconocer que el suyo es difícil de superar-, ese que me hace subir el cosquilleo por el estómago -mis admiradoras seguro que lo entienden-

Ese mensaje de redención que trasciende toda consideración etílica...

Etiquetas: Angel, Martin, Patricia, Conde, Sexta

Apenas llegar y encender la tele en Días de Cine apelaban a mi cinefilia, a mi supuesta inteligencia y a mi bolsillo con la intención de tentarme a ver la última de asesinos en serie realizada por David Fincher, director que reinventó el género en los noventa con Se7en .
Más que suficiente, al decir 'Brillante ejercicio...' ya me habían ganado para la causa.

Zodiac es el nombre del asesino más mediático -esta vez sí- desde que el médico de la reina Victoria 'limpiara' el escaso honor del Principito Albert .
A finales de los 60, en California, un inteligente y cuidadoso asesino se divertía matando a gente de manera aleatoria y mandando posteriormente cartas y mensajes cifrados de reivindicación a la policía y los principales periódicos de la zona. De esta manera llegó a crear en la sociedad atacada dos poderosas corrientes -aquí el caso vuelve a parecerse al de Jack- una de pánico -que llegó a convertirse en histeria colectiva por la propia debilidad de la masa- y otra de cierta admiración que acabaron por colapsar a investigadores, policía y periodistas.

El arranque de la película tiene la fuerza de un clásico sico-thriller: brutales asesinatos -llama la atención el realismo en el tratamiento del acuchillamiento de una joven pareja en el Lago Napa, sientes el cuchillo entrar, sientes el dolor y sabes que no moriran rápido-; inteligentes asesinos; héroes indestructibles, aparentemente; pistas cifradas que a nada conducen; algo de humor ácido; y torpe protagonista que, adviertes, ocultará un as bajo la manga.
Es así hasta que la policía interroga al principal sospechoso.
Más tarde, a medida que la película avanza y la trama se complica, la frustración se contagia de la policía al espectador -de manera intencionada- y una especie de calma tensa se va apoderando de la historia. Es notable la habilidad de Fincher con los colores y los ambientes para crear sensaciones en el espectador: la lluvia impenitente en Se7en; la noche eterna de Michael Douglas en The Game; la claustrofóbica Habitación del Pánico... en Zodiac son unos marrones y verdes cálidos, pesados y desasosegantes que me remiten a esos días de bochorno en los que cada músculo del cuerpo pesa como una losa y esperas que de un momento a otro caiga el chaparrón.

De repente, todo el mundo parece olvidarse de Zodiac, es un caso archivado que ya ha traído demasiadas noches en vela para todos y ahí tenemos la secuencia acelerada en la que vemos crecer y formarse la Pirámide Transamérica que sirve de puente para dar paso a la Segunda parte de la película.
Es entonces cuando empieza el retrato de varias obsesiones: las de los dos periodistas del San Francisco Chronicle.

Paul Avary -la mejor interpretación, Robert Downey Jr- reportero estrella, cínico y experimentado se ve superado por esa obsesión y acaba ahogado por el alcohol y las drogas; Robert Graysmith -un tanto afectado Jake Gyllenhaal- que de boy scout aparentemente inofensivo se va transformando en un maníaco obsesionado con la identidad de Zodiac hasta el punto de abandonar a su propia familia durante la búsqueda.
Es en esta segunda parte donde la película se convierte en imprescindible, dejando a un lado sustos fáciles o efectistas giros de guión para dar paso a un relato meticuloso en la forma, reflexivo, maduro, prudente, realista -o hiperrealista para los amantes de 'corrientes'-, respetuoso con unos hechos que marcaron la vida de gente real.

Quizá el mínimo e inquietante retrato del asesino sea el nexo que une las anteriores películas del director -representadas por Seven- con este nuevo cine con mayúsculas que, ya sí, de manera unánime lo lleva al panteón de los Grandes.

Para la nueva ola de 'cinéfilos' con sección propia en la FNAC -aquellos que lo han encumbrado- Fincher ofrece multitud de guiños a grandes clásicos Pop -recurso ideal en según qué conversaciones-; desde las más obvias Bullit y Dirty Harry -el malo, Scorpio, es Zodiac- a Todos los Hombres del Presidente o Malas Tierras.

PS: A no ser que sea un insomne irremediable no vaya a verla a la sesión golfa.

PPS:  Buff! Otra vez el   megalómano    amigo de los pobres

Etiquetas: Zodiac

En estos tiempos de liberticidas y corrección política. De superioridad ideológica y moral porque sí -argumento este irrefutable- siempre es de agradecer que alguna película cuele un tratamiento visual novedoso y una temática no ya en desuso si no sorprendente por su originalidad y por atentar contra el pensamiento cultural dominante, no en vano la defensa cerrada de la libertad se hace por encima de cualquier consideración o palabrería, en el primer envite la sangre está en el tapete.

Como todo el mundo sabe '300' está basada en el comic homónimo de Frank Miller y Lyn Varley, que narra la Batalla de las Termópilas a través del único espartano superviviente y centrándose en la vida del rey Leónidas. Algunas voces se han oído por ahí vilipendiando la película por sus "exageraciones históricas", personas que no hayan pasado del Capitán Trueno en el mundo del cómic no pierdan tiempo, dinero ni nos calienten la cabeza.

Los espartanos son representados como un pueblo guerrero, orgulloso de su libertad, fieles a sus propios códigos de honor, amantes de la lucha y la guerra. Bravos e incluso crueles defensores de su estatus de pueblo-guerrero y libre, en definitiva un caramelo para la generación del video juego en 3D.

El argumento es bastante simple y conocido por casi todos: Léonidas y sus 300 espartanos junto con algunos miles de voluntariosos griegos reclutados de entre los pueblos amenzados se dirigen al paso de las Termópilas a enfrentarse a Jerjes que, al frente del mayor ejército conocido por el mundo, pretende someter a Grecia y sus pueblos e instaurar una época de oscurantismo, sumisión y, por supuesto, "prosperidad". Notable es una frase, extraída del cómic, de Jerjes a Efialtes: "Leónidas es cruel, te pide que te levantes; yo soy bondadoso y sólo te pido que te arrodilles.

Por lo demás la película es muy fiel al cómic aunque, como no podía ser de otra manera, se suaviza y humaniza a los espartanos -aunque parezca increíble- y se añade una trama política -mientras Leónidas defiende a su pueblo en la batalla los "representantes" del pueblo urden una trama para desbancarlo- y se profundiza en la relación entre el Rey y su mujer.

Para mí  lo más destacable de esta película, temática aparte pues eso ya está en el cómic, es el tratamiento visual de la misma, bastante fiel al sentido del comic aunque ahondando en la magnificencia y sentido épico dotando de un cierto brillo a los colores y difuminando los contornos, que consigue transmitir el sentido de epopeya clásica y, por tanto, lucha atemporal a través de un lenguaje nuevo y original. Es cierto que en ocasiones recuerda a Gladiator -esos trigales, ese niño, esa música...- pero es posible que no se trate de un homenaje si no todo lo contrario.

Los continuos saltos en el ritmo: de secuencias llenas de acción y sangre, casi aceleradas a momentos de gran emotividad y dramatismo, en ocasiones ralentizados o congelados; la exageración y magnificación expresa: los monstruos mitológicos -lobo, rinoceronte, elefantes; el verdugo, el gigante-, el ejército que hace temblar la tierra y oscurece el sol con sus flechas; y lo atractivo de una temática hecha a medida para defensores de la libertad y la civilización occidental desde el sillón de casa hacen de '300' una película perfecta para reconciliarse con el cine como espectáculo y entretenimiento de fin de semana.

PS: No puedo evitar añadir aquí un extracto de la entrevista publicada en el dominical de El Periódico al director, Zack Snyder:

• Mientras los espartanos sólo peleaban los persas celebraban orgías, ¿no le parece una opción más saludable?

Eso pregúnteselo a mi mujer.

Pues eso.

Etiquetas: 300, Frank, Miller

Cada vez me cuesta más dejar los imprescindibles beneficios que con disfraz de cordero y voracidad lobuna nos exigen los machacas de turno por asistir al estéril espectáculo que de manera habitual se proyecta en los multicines. Mi, en ocasiones desaforada, defensa del amigo americano y su inmersión cultural no está reñida con la infinidad de atractivas propuestas que gracias a la impagable Comunidad Virtual hoy están al alcance de un clic. Jorge recomendaba a través de Filmaffinity El Regreso y a mí me llamó la atención.  

Para mí, que todavía no he pasado por Tarkovski, lo más destacable de El Regreso no está en su maravillosa fotografía, o en sus impactantes paisajes, o en la armoniosa alternancia entre la inmisericorde lluvia y la deseperanzada claridad.

Lo que me ha cautivado de esta película es la traducción a un lenguaje visual moderno -por tanto atractivo- de un guión en el que apenas hay diálogo y que se basa en las miradas y silencios de los protagonistas más que en sus palabras. En sus emociones más que en sus acciones.

Andrei e Ivan son dos hermanos adolescentes a los que la repentina vuelta -después de 12 años de ausencia- de su padre les obligará a madurar, esto es, a enfrentarse al miedo y a la incertidumbre. El padre aparece de la nada, vuelve como se fue: sin razón ni explicación y los lleva a no se sabe dónde y no se sabe por qué. La trama se desarrolla durante una semana en la que los días pasan por las hojas del diario que ambos hermanos se obligan a compartir. A medida que la historia avanza los personajes se vuelven más ambigüos, nunca está claro si ese padre autoritario y enigmático, frío y distante, cruel en definitiva lo es porque no entiende la relación padre-hijo de otra manera y en el fondo puede ser el amor el que lo mueva; nunca está claro si el hijo menor (Ivan Dobronravov) -sencillamente perfecto, no puedo imaginar una interpretación diferente- ama u odia a su padre, admira su fuerza y decisión o desprecia su arrogancia y soberbia; nunca está claro si el hijo mayor Andrei  (Vladimir Garin) -una biografía que deja la piel de gallina- se limita a seguir las poderosas corrientes de la imposición psicológica: sus amigos cuando insultan y denigran a su hermano, su padre con las formas comunistas, soviéticas.

Sin duda esta ambigüedad es lo que mantiene la película abierta e interesante y evita que caiga en la pesadez existencialista e infumable de tantas otras. Ambigüedad y sencillez extraídas en cada fotograma. La sobriedad, mejor aún austeridad, de paisajes y decorados siempre abiertos y grises contrasta con la expresividad emocional de los personajes que oprime y oscurece la película. Una lectura política nos llevaría a ver en los hermanos al propio pueblo ruso, alegre y obediente pero no por eso menos orgulloso y autosuficiente, y en el padre al Partido, siempre autoritario, siempre cruel, siempre apunto de redimirse, nunca dando el paso para hacerlo.

A destacar, por último, la secuencia final que sirve como reflexión sobre el poder de los recuerdos inducidos. Las fotografías tomadas durante el viaje rezuman nostalgia -y por tanto cierta felicidad- y bien podrían ser de un idílico viaje famliar.

No soy de esos que lamentan tener razón, cuando la tengo -que no es tantas veces así que permítanme saborearlo unos minutos- me gusta decir: "Lo ves?, ¡lo sabía!" Pues eso, que lo han masticado y han escupido los huesos.

Y como digo una cosa digo la otra, le echaba yo la culpa muy alegremente a Prisa de la censura a la entrevista de García, pero en justicia he de decir que no sé quién ha sido el detonante.

Etiquetas: Quintero, TVE

Hace ya bastante tiempo que la televisión me aburre, cuando no me pone de mala leche. He terminado optando por un exhaustivo programa de selección que me ha llevado a ver solamente el Real Madrid los días de guardar, los partidos de España en cualquier deporte que no sea fútbol y las noticias de la noche, Cuatro preferiblemente, aunque a veces me pongo TV3 o la Primera -me paro a releer lo escrito y por fin encuentro la explicación al principio de úlcera y a la mala follá que lenguas insidiosas achacan a mi Granada natal-.

Digo esto porque ayer, de casualidad, ojeé la parrilla televisiva y me encontré con una grata sorpresa: dos personas que admiro por razones tan opuestas como las que me hacen disfrutar de la noche o el día. Quintero entrevistó a Federico Jiménez Losantos.

Ambos estuvieron soberbios, Quintero volvió por sus fueros después de una insustancial entrevista a una persona... inane.

Empezaron recelosos, como dos púgiles bailando uno alrededor del otro observándose, temiéndose. A medida que avanzaba y descubrían que ni uno era tan malo ni el otro parecía tan progre el entrevistado se fue abriendo hasta el punto de mostrarnos a la persona cultivada, inteligente,irónica, agresiva, ambiciosa, un punto ególatra que es;  de confesar lo que sintió cuando los terroristas deTerra Lliure le secuestraron y dispararon; de cómo buscó en el marxismo un sustituto a Dios y en la defensa intransigente de la libertad de acción y expresión un sustituto a la estupidez; por qué hace la radio que hace; e incluso expresó un deseo que, creo, compartimos muchos de los que nos interesamos algo por la política patria: preferimos un cambio profundo y radical en el PSOE antes que la llegada del Partido Popular a la Presidencia del Gobierno.  

La perla final vino cuando el entrevistador se cuestionaba si en verdad era así, si era lo que parecía, si era un "facha", la respuesta es obvia "¿usted mira así a la gente cuando se toma un café con ellos?" Al final parecía hasta que acabarían besándose.

Como estaba crecido decidí quedarme a ver el tan cacareado Noticiario de Dragó en Telemadrid, ecléctico, a veces ágil,  a veces fatigoso, personal. El entrevistado era el Ministro de Justicia - una de las tres personas salvables del Gobierno Rodríguez-, le costó atravesar la coraza de Político que -son humanos- la mayoría llevan pero al final le quedó una entrevista correcta, incisiva a veces, pero sin hostigar, sin atrevimiento, sin mordiente. Me ha dejado frío, demasiadas aspiraciones, demasiada confianza.

Todo puede ser por causa del entrevistado

Etiquetas: Quintero, FJLS, Jimenez, Losantos, TVE, COPE, Dragó

Para cerrar el triunvirato -House, a pesar de mis reticencias y prejuicios iniciales he de decir que no está nada mal, de hecho está muy bien, aunque un punto por debajo- de la edad de oro de la televisión americana -muy a nuestro pesar también aquí podría decir la edad de oro de la producción televisiva-, a las mencionadas El Ala Oeste de La Casa Blanca y, ¡no puedo esperar a la primera parte de la sexta temporada,! Los Soprano; habría que añadir -para mí en segundo lugar- un día en la Vida de Jack Bauer

Me gusta tanto, ¡qué original!, porque siempre está en el filo. Tienes que preguntarte una y otra vez si el fin justifica los medios. ¿Está legitimado el pisoteo de derechos y libertades por parte del estado -entiendo democracia liberal- a fin de evitar una catástrofe mayor? ¿Están justificados los "daños colaterales" en tu propio país, contra tu propio pueblo? Razones objetivas hay, pero, ¿hay razones? ¿son objetivas?

He de reconocer que, como siempre,  esto no es más que una excusa para tranquilizar a mis cuatro admiradoras, no es más que una ficción, la realidad siempre es mucho más impresionante.

Si hay una película que espero con terca ansiedad, por la que siento algo parecido a la pueril zozobra que me provocaban los trailers de El Señor de los Anillos o, iluso de mí, cada nueva entrega de la prescindible precuela de la Guerra de las Galaxias, esa película es Flags of our Fathers

Y, para ir calentando, me he acercado a una de las deudas pendientes que tenía con el mejor director americano vivo

-lo cual es casi como decir el mejor director vivo-.

En 1985 Eastwood volvía a las raíces del cine con un western que recuperaba la temática clásica: un pequeño asentamiento minero es hostigado constantemente por los hombres de LaHood, un rico propietario que posee todo el valle excepto el arroyo que sirve de base a los mineros.  Cuando la presión es insoportable, después de una última y cruenta advertencia por parte de los hombres de LaHood, aparece "El Predicador" un misterioso jinete solitario, parco en palabras, "apareció de pronto un caballo claro y el nombre de su jinete era la muerte", mientras la joven Megan reza pidiendo ayuda  a Dios. 

La película empieza con secuencias alternativas de un grupo de pistoleros a galope tendido por praderas y bosques otoñales del norte californiano y la aparentemente apacible vida en el pequeño campamento minero. La tranquilidad es rota cuando ambas convergen y los jinetes saquean el asentamiento. A partir de ahí la película despliega los más recurrentes tópicos del cine del oeste, pero al igual que es  el torero el único capaz de convertir el reiterativo espectáculo en arte, subyugando al toro y llevándolo  por donde le ordena, es Eastwood el que nos empuja a la repetición de argumentos para recogernos con suavidad a veces, con violencia las más y dejarnos en lugar seguro con la sensación de que no puede ser tan sencillo como aparenta. Y no lo es, porque poco después nos vuelve a arrastrar al mismo sitio, pero por otro camino. Esto, que a partir de esta película es seña de identidad, alcanzará el cénit en Mystic River o Los Puentes de Madison.

Quizá el rasgo más llamativo y original de la película es la convivencia de un toque fantástico, onírico -todas las apariciones del predicador están envueltas en misterio, no se sabe de donde viene, por qué viene, o a donde va, pero siempre le acompaña un aura de Justo Vengador, heredada de Leone- en el tratamiento de El Predicador  y un registro realista, a veces crudo, en la puesta en escena -me llama mucho la atención una escena en la que Megan, la muchacha, es forzada por el hijo de LaHood, pero en una secuencia de 3 ó 4 minutos no aparece más que en un plano de apenas unos segundos, picados y contrapicados del violador e Eastwood refuerzan el aire sobrenatural del Predicador. Escena que para mí resume todas las virtudes de la  película ya que el tema eterno del rescate de la mujer desvalida está tratado con un lenguaje absolutamente moderno: sexo, violencia, realismo y misticismo-.

El duelo final entre El Predicador y Stockburn -Marshall corrupto contratado por LaHood para eliminar a los "rebeldes"-  es la confirmación de la personalidad de Eastwood y su ruptura con Leone y Siegel. En largas secuencias llenas de tensión y calma, el predicador va eliminando uno a uno a los esbirros de Stockburn, sin las excentricidades tan del gusto de Leone que convertían sus westerns en parodias, ni las ensaladas de tiros y explosiones de Siegel; lo hace con calma, sin recrearse, casi sutilmente, muerte y violencia no se esconden, sí, pero no hay deleite en ello y sobrevienen por imposición externa no por un afán expreso.

En definitiva EL Jinete Pálido es un excepcional western al que no hay que acercarse como a tal, si no como una reflexión sobre la violencia y sus consecuencias, la soledad y la indefensión ante el poder; y es, cómo no, la antesala de la excepcional Sin Perdón.

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Hace tiempo que debería haber dejado caer por aquí algunas letras, pero me deslumbra el despliegue de ideas maduradas y frases bien construidas que hace Armando, y siempre me echo para atrás. "No sé qué/cómo escribir", me digo. Pero bueno, siempre llega el día en que te antepones a los complejos y consigues poner sobre la bandeja del papel vísceras, sentimientos, ideas...o una pequeña crítica sobre una película encantadora.

 Muchos de vosotros habréis visto decenas de road movies. Desde "Entre copas" en donde un par de amigos se embriagan entre los ritmos de la carretera y el chi-chin de las copas de vino, hasta la escapada frenética de "Thelma & Louise" o el trío sensual y a la deriva de "Y tu mamá también". Pues bien, yo quiero hablaros de una road movie familiar (creo que habrá pocas en la historia del cine), excéntrica, subversiva y encantadora. Es "little miss sunshine".

 La apuesta es original desde el principio, presentando unos personajes a los que la vida ha derivado a diferentes terrenos, muy cercanos a la crisis nerviosa. Tenemos un padre obsesionado con el éxito (metáfora de la a veces paranoica obsesión de los americanos por este tema), un hijo que ha hecho voto de silencio, un abuelo adicto a la heroína, un tío que acaba de intentar suicidarse, una hija-niña-pequeña obsesionada con ganar un concurso de belleza y una madre cuerda, pero tensamente arrastrada por la "locura" de un grupo al que ama. El plantel no puede ser más extraño y difícil de asimilar sobre el papel, pero la buena dirección de los debutantes directores, y un guión magnificamente construido, te conducen sin ambages por el peculiar viaje de este grupo.

La película se centra en el camino que recorre la familia hasta el concurso de belleza para el que ha sido seleccionada la hija. Deben recorrer más de 1000 kilómetros en poco más de un día, en una furgoneta destartalada y con apenas unos dólares para gastar. Durante el camino se suceden las situaciones cómicas, emotivas, absurdas, surrealistas, tensas y desternillantes...Hasta que llegan a su destino. El final es tan profundo como excéntrico, gracioso y emocionante.

 Es una película de factura sencilla pero con mucho que contar, que al final te deja una grata sonrisa sobre la cara para el resto de la noche. Y para mí,  esto ya es mucho.

Autor: ja

En la región más desolada e inhóspita de  la tierra tiene lugar el canto a la vida más extraordinario: la epopeya de un pueblo maldito en un lugar remoto para asegurar la supervivencia de su especie.

Lo que empezó como un documental cualquiera sobre el ciclo reproductivo del Pingüino Emperador, acaba superado por la propia épica del proyecto y se convierte en una fábula sobre los innumerables escollos que ha de superar la vida para perpetuarse en condiciones extremas.

Para saber más sobre el proceso de preproducción, esta entrevista al director, pero yo me quedo con la lírica del largometraje que ya desde los primeros planos de un turbador páramo blanco nos sugiere la belleza y la crueldad que encierran y completan la vida del ave.

El cuento empieza así: " Érase una vez un jardín. Una tierra fértil y generosa, llena de vida. Hace mucho tiempo, antes de que llegara el invierno. Pero un día todo fue arrasado por el blanco..." Y la voz de dos narradores que toman el lugar y los pensamientos del pingüino hembra y del pingüino macho me van acurrucando hasta convertirme en uno más de la colonia. Me hacen sentir el amor -me estremezco durante el cortejo nupcial en el que las hembras compiten entre sí por una única monta posible por macho, un segundo intento es un lujo enérgetico y ambos son imprecindibles para la supervivencia del polluelo- y la ternura - durante la danza que supone el pase del huevo de la hembra al macho en el que el tiempo no existe pues el mínimo contacto del huevo con el aire congelado acabaría con la cría-; el dolor y la abnegación -durante el viaje de la hembra a través de cientos de kilómetros de desierto helado en busca del océano fuente de energía y vida, durante la incubación del macho en la noche eterna de la Antártida-; el miedo -a que se acaben las fuerzas, a que el frío te doblegue, al próximo depredador- y la alegría -al llegar por fin al agua, a la vuelta de la hembra con el preciado alimento-, el Milagro de la perpetuación de la especie.

A todo ello contribuyen los planos infinitos de una blancura aterradora quebrados por por la interminable marcha de los pingüinos, que me llevan continuamente de la majestuosidad de los primeros planos,

a la inmensidad de los planos generales en los que, sin embargo el ser vivo siempre mantiene el protagonismo frente al entorno

Una película, en fin, de una belleza extraordinaria, plena de poesía, de delicadeza. Un excepcional homenaje a una de las existencias más duras y bellas del planeta.

La Marche de L'Empereur de Luc Jaquet

"Everything is being done before, in a way or another, the only thing that changes is technology"

"De una u otra forma todo se ha hecho antes, lo único que cambia es la tecnología"

Del documental de Sydney Pollack, Apuntes de Frank Gehry

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Ya dije por aquí que la más que acertada campaña de propaganda organizada alrededor y mi candidez y confianza en los que van de íntegros por la vida terminarían por hacer mella  en mí y acabaría visitando las salas de cine para ver la adaptación de Díaz Yanes a las cinco novelas de Pérez-Reverte.
Elegimos el Icaria para verlo porque pensaba - ¡iluso de mí!- que un cine en el que den las películas en V.O. lo más probable es que la gente que vaya a verlas sea algo más respetuosa y esté más pendiente de la película que de demostrar sus dotes adivinatorias o sus conocimientos en la materia en proyección ¡Craso error! Nos tocó al lado de Triqui
                      
                         
 
y del escriba de Pérez-  Reverte que impresionaba a su chica con sentencias de este tenor: "Ese es el Conde-Duque de Olivares" "En el libro no es así" "Ahora seguro que..." En vista de lo cual y ante el panorama desolador que se presentaba ante mí hice mía esa gota de sabiduría popular que reza "Donde fueres haz lo que vieres" y ataqué mis palomitas como si la vida me fuese en ello. No es de extrañar que mi acompañante me fulminara con una mirada de desaprobación que acabó con el hambre, el ansia y las ganas de dar por saco.

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Coto  Matamoros

Y Fernando Sánchez Dragó

Me redimen con Quintero,

Piensa,

Piensa,

Porque si no, habrá alguien que lo hará por ti.

Y eso es... chungo.

A ver si lo comprendes.

              Jesús Quintero
 

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Yo estoy en que en la publicidad hay más nivel que en la televisión...

Etiquetas: Dinero, Capitalismo, Globalizacion

Con Quintero:

E: Vivimos en el mejor mundo que ha existido hasta la fecha, hasta ahora hemos vivido bajo el gobierno del salvajismo. No es en absoluto el mejor mundo posible, pero sí el mejor mundo a lo largo de la Historia[...]

Antes pensaba que la economía era una tontería pero he estado un tiempo estudiándola y me parece una ciencia maravillosa. Ahora entiendo muchas cosas [..]

El gobierno platónico del Rey Filósofo es un delirio dictatorial y por tanto muy peligroso[...]

Q:En política hay muchas manzanas podridas

E: No más que en las fruterías

Q: Por lo que dice deduzco que usted piensa que ahora ha aumentado el número de tontos

No, no, no. ¡Que no soy pesimista! Que no habrá forma de llevarme a ese terreno...

El feminismo actual es consecuencia de la impasividad del hombre. Ahora el feminismo se ha pasado en gran medida al mundo gay [...]

Sabes que en otros tiempos te hubieran quemado por lo que has dicho aquí esta noche.

Puede que sí, pero he hablado con la mejor intención

Y querían hacernos creer que estaba borracho...

A la vuelta Quintero lo ha entendido perfectamente:

En este mundo mercantilista y cruel...

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¿No les parece un título con gancho? Como les contaba a las cuatro admiradoras - mamá yo también te quiero - que me siguen con fidelidad penitente, rayana en lo morboso, hace no mucho tiempo que descubrí la comunidad Filmaffinity, y trayendo a gala ese sentimiento compulsivo que se me manifiesta ante determinadas circunstancias me he lanzado a valorar películas y a archivarlas en listas del tipo "las mejores películas" Vs "las peores películas"; pero hete aquí cuál será mi sorpresa que me doy cuenta de que -construcción absolutamente esnob-  ya tengo las cien mejores películas de la historia del cine, y como es una lista absolutamente libérrima y ecléctica -quizá estoy abusando- pues he decidido que el que no tenga nada peor que hacer le eche un vistazo y diga algo, si quiere claro.

No sé, por ejemplo, yo de Eastwood no cogería esta...

¡Cómo se te ocurre poner esta de Huston?

¿ y de Hitchcock?

¿Infantiles? No hay duda

En Kubrick puedo permitir cierta disidencia

Pero hay tres por las que no consiento una voz más alta que otra

Y una por la que estaría dispuesto a matar

Etiquetas: CIne, Filmaffinity

El panorama desolador de la cartelera actual, ni siquiera mejorado por esos supuestos cines independientes y alternativos que en su mayoría ofrecen más de lo mismo, nos empujó ayer a ver la última del probable hombre más poderoso de Hollywood porque, una vez más, es su película. La elección del director ya es todo un síntoma del talento de este hombre para saber donde arrimar su ascua, un directorzuelo de "culto" de series de televisión de las que no he conseguido terminar ni un capítulo pero que, a lo visto, disfrutan de cierta fama y respeto, algunas,como Perdidos, cercanas al culto irracional.

El caso es que teniendo en cuenta que es una película de Tom Cruise, la película no sale mal parada del todo. Cuando entras en el centro comercial sabes lo que te vas a encontrar, por lo que actúas en consecuencia, un buen aprovisionamiento de Pop-Corns y Coca-Cola y ganas de oír ruido y ver tiros y amoríos insolostrables, pero lo sabes. Lo peor de la película, como en todas las películas en las que se dirime el dinero de Tom, es la edulcorada hasta la náusea relación de amor entre el héroe y, hoy, su prometida, una belleza en serie factoría Cruise. Él la quiere tanto que está pensando seriamente dejar la agencia Fuerza Misión Imposible para la que trabaja, ella le quiere tanto que siempre confía en sus secretos. Sexo supuesto y aséptico entre gasas y guantes de látex y boda casposa estilo iglesia de la cienciología. Nada nuevo bajo el sol, soportable si abusas de las garguerías imprescindibles.

Las escenas de acción son todo lo espectaculares que ciento cincuenta millones de dólares puedan comprar, con momentos interesantes como la persecución de helicópteros entre molinos de viento o el robo del "rabbit foot", supuesto anti-dios de ochocientos cincuenta millones de dólares que sirve como excusa argumental; la escena del puente algo sobrecargada y epiléctica me recuerda mejores actuaciones y directores con más talento; y sobre todo el que ahora, al igual que en la serie original, hay un cierto trabajo de equipo, que nos ahorra exhibiciones de Ethan Hunt; a destacar Ving Rhames en su papel de conciencia de Hunt y de confidente y guiño al espectador.. Otras dejan algo más que desear, como el efectista y pobre de argumento secuestro en el Vaticano - "Lo único que no ha quedado claro para Ethan es que El Vaticano, es El Vaticano"-, en el que lo mejor es el coche, el traje y la espalda de Maggie Q

Pero lo que salva la película de la mediocridad es el más que admirable trabajo de ese soberbio actor -a pesar de Happiness- que es Philip Seymour Hoffman, el típico malo que sólo ansía dinero y sumisión se transforma en su piel en un hombre turbio, oscuro, inteligente y frío. Cuando el agente Hunt lo cuelga del avión en un intercambio de papeles interesante Owen Devian -Seymour Hoffman- amenaza con dañar lo único que podría herir a Hunt, ella, y lo cumple y veo esa gélida crueldad instalada en el imaginario colectivo por mor de Ralph Fiennes; y sé que, a pesar de todo ha merecido la pena.

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La primera vez que leí El extraño caso del Dr Jeckyll y Mr Hyde, pensé que maldito aquel que se lanzó a la brillante idea de contar al mundo el final de tan apasionante libro. La dualidad humana, el bien y el mal que habitan el alma de todo hombre y su lucha por conquistarla, la pasión científica de la época -Verne, Shelley...-, el romanticismo, la hipocresía que impregnaba toda relación social y que convertía to